Séminaire Culturaliste. Dominations. Septième séance.

Jeudi 8 décembre de 14 h à 17 h aura lieu la troisième séance du séminaire « Dominations ».  Elle se tiendra dans la salle des séminaires de la MSH de l’Université de Bourgogne.

 

Hélène Martinelli (ENS de Lyon) : « Littérature mineure en genre mineur : portrait de l’artiste en hérétique »

Marion Lafouge (Université de Bourgogne) : « L’opéra un genre de dominants ? Réflexions autour de quelques metteurs en scène contemporain. »

 

Venez nombreux-euses !

Colloque International « La Destruction des Images en bande dessinée » : le Compte-Rendu dessinée

Le colloque « La Destruction des Images en bande dessinée » a eu lieu à la MSH de l’Université de Bourgogne les 7, 8 et 9 novembre.

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Je rappelle ici le programme :

Lundi 7 novembre :

10 h : Ouverture

10 h 30            Henri Garric : ouverture à la destruction

Destruction sociale, destruction identitaire, destruction des images

(Modérateur : Henri Garric)

10 h  50 – 11 h 30 :     Elisa Bricco : destruction historique et destruction des images : à propos de la réception de la casse sociale dans des bandes dessinées contemporaines

11 h 30 – 12 h 10 :      Anne Grand d’Esnon : Engendrement et destruction des images chez Alison Bechdel : de la reproduction au récit de soi.

Mises en abyme de la destruction (1)

(Modérateur : Denis Mellier)

14 h 00- 14h40 :         Clotilde Thouret : La destruction des images chez Edika : défiguration et déconstruction.

14 h40 – 15 h 20 :       Siegfried Würtz : Du « Caped Crusader » à la « Bat-like creature » : désiconisation et déshéroïsation de Batman dans quelques comics du Modern Age.

Pause

Excursus

15 h45 – 16 h 25 :       Laurence Grove : Destruction de l’histoire et destruction du modèle « stable » de la bande dessinée: L’exposition Comic Invention

 

Mardi 8 novembre :

Mises en abyme de la destruction (2)

 (Modératrice : Clotilde Thouret)

9 h – 9 h 40 :               Emmanuelle Rougé : La destruction des images dans l’œuvre de Marc-Antoine Mathieu

9 h 40 – 10 h 20 :        Irène Leroy-Ladurie : Saints suaires : de la destruction des icônes à une poétique de l’empreinte dans Blankets de Craig Thompson

Pause

Détruire la bande dessinée

(Modératrice : Irène Langlet)

10 h 40- 11 h 20 :       Isabelle Guillaume : « Cette bande dessinée s’autodétruira dans cinq secondes : l’Invasion Britannique et les planches oubliées de Peter Milligan »

11 h 20 – 12 h 00 :      Denis Mellier : Abstraction : comment le détail défait la bande dessinée.)

12 h 00 – 12 h 40 :      Hélène Martinelli : Perdre le fil dans l’entre-image : polygraphie et désolidarisation iconique

Destruction des corps dessinés

(Modératrice : Elsa Caboche)

14 h 20 – 15 h :           Thierry Groensteen : Fragmentation de l’image chez Guido Crepax

15 h  – 15 h 40 :          Henri Garric : démembrer les corps, défaire la bande dessinée

Mercredi 9 novembre :

Destruction au cœur du processus intermédial

(Modératrice : Hélène Martinelli)

9 h – 9 h 40 :               Camille Baurin : Le Joker, Double Face, Clayface : de la défiguration des visages à la destruction des portraits dans Batman

9 h 40 – 10 h 20 :        Irène Langlet et Aurélie Huz : « Nikopol : de la BD au film : quelle destruction d’image ? »

Pause

Défaire et refaire la bande dessinée

(Modérateur : Thierry Groensteen)

10 h 45 – 11 h 25 :      Björn-Olav Dozo et Benoît Crucifix : « Les bandes détournées de Jochen Gerner et Ilan Manouach : entre destruction et engendrement »

11 h 25 – 12 h 05 :      Benoît Peeters : « Destruction ou réinvention : de quelques Aventures de Tintin

 

Trois journées de débat extrêmement excitantes ! Les interventions ont été enregistrées et seront mises en ligne dans peu de temps, nous l’espérons. Mais en attendant, vous pouvez patienter en consultant le reportage dessiné par Elsa Caboche (avec intervention de Simon Stawski en special guest). Il rend bien compte de l’ambiance qui a présidé à nos débats :

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Séminaire Dominations. Séance du 3 novembre 2016. Dalila Abidi / Virginie Brinker : « Meursault, contre-enquête de Kamel Daoud : un roman sous tutelles ? »



Jeudi 3 novembre 2016

Dalila Abidi et Virginie Brinker, « Meursault, contre-enquête de Kamel Daoud : un roman sous tutelles ? »

Meursault, contre-enquête (Paris, Actes Sud, 2014) se présente comme une réécriture de L’Étranger de Camus du point de vue du frère de « l’Arabe » assassiné, Haroun, qui réhabilite la mémoire du personnage en lui donnant un nom (Moussa), une identité et une dignité. Le roman paraît dans sa version française en 2014 après avoir fait l’objet d’une première version algérienne (Barzakh, 2013), qui trouve elle-même son origine dans une chronique écrite pour Le Monde en 2010 : « Le Contre-Meursault ou « l’Arabe«  tué deux fois ». Le propos de Dalila Abidi et de Virginie Brinker consiste à lire le roman de Kamel Daoud comme une œuvre sous influence(s), traversée de part en part par des logiques de dominations : subordonné à l’œuvre de Camus qu’il actualise et renverse, à celle des auteurs algériens de langue française qui sont ses aînés et ses modèles, le roman de Daoud est également soumis aux attentes et aux interprétations du lectorat qui le reçoit, selon qu’il est écrit pour un public algérien ou français.

Virginie Brinker : La question de la tutelle : entre opposition et allégeance à Camus

Après avoir rappelé qu’il y avait déjà eu des lectures politiques de L’Étranger au moment la guerre d’indépendance (notamment celles de Pierre Nora et de Brian Fitch), Virginie Brinker interroge le positionnement du roman de Daoud : se situe-t-il dans le sillage des lectures politiques et dans une forme d’opposition à Camus, ou au contraire dans la droite lignée de l’absurde camusien ? De prime abord, le narrateur Haroun semble assimiler Camus à son personnage Meursault, un homme qui maîtrise l’art de la narration et la langue française « au point qu’il a réussi à faire oublier son crime ». La confusion entre l’auteur et l’assassin favorise en effet une lecture politique et polémique du roman. Toutefois, Kamel Daoud produit une œuvre ambivalente, teintée d’admiration envers la figure tutélaire d’Albert Camus, avec qui il entretient tout à la fois un rapport d’opposition et d’allégeance.

Rapport d’opposition : une réécriture postcoloniale de L’Étranger.

Tout indique effectivement que Kamel Daoud se livre dans Meursault, contre-enquête à une réécriture postcoloniale du roman de Camus, au sens où l’entend Jean-Marc Moura, qui considère comme « postcoloniales » – sans trait-d’union – « des pratiques de lecture et d’écriture intéressées par les phénomènes de domination, et plus particulièrement, par les stratégies de mise en évidence, d’analyse et d’esquive du fonctionnement binaire des idéologies impérialistes » (dans Littératures francophones et théorie postcoloniale, Paris, PUF, Quadrige Manuels, 1999, p. 11).

Haroun imagine un différend entre Moussa et l’assassin au sujet d’une femme, désignée comme « la Mauresque » dans L’Étranger et à qui le narrateur donne un nom : Zoubida. Or, la rhétorique de la vengeance de l’honneur de la femme algérienne s’accompagne immédiatement d’une lecture engagée, politique : défendre leurs femmes est tout ce qui reste à ces hommes qui ont déjà perdu leurs terres et leur bétail. À plusieurs reprises, le narrateur fait le parallèle avec le couple Robinson-Vendredi de l’œuvre de Defoe : « il aurait pu l’appeler Quatorze heures comme l’autre a appelé son nègre Vendredi ». De plus, Daoud pratique une écriture du renversement systématique et du contre-pied, dès le titre. On peut citer une foule d’exemples : l’incipit parodié « Aujourd’hui, M’ma est encore vivante » ; le café au lait que Haroun déteste alors que Meursault en boit fréquemment ; le nom du personnage de Meriem qui fait écho à celui de Marie ; le meurtre de Meursault a lieu à quatorze heures quand le meurtre inversé (Haroun tue un Français) est commis à deux heures du matin, etc. D’autre part, on assiste chez Daoud à la dégradation parodique de l’écriture blanche de Camus. C’est non seulement le style qui est gentiment égratigné, mais aussi la philosophie : Moussa est tué par « une balle tirée par un Français ne sachant pas quoi faire de sa journée ni du reste du monde qu’il portait sur son dos ».

Ainsi, bien que l’objectif postcolonial soit peut-être encore plus assumé dans les versions précédentes, le propos n’en reste pas moins éminemment engagé : « Je crois que je voudrais que justice soit faite, non pas celle des tribunaux mais celle des équilibres ». En même temps, tout comme Haroun qui dit avoir « pris de la distance » avec la lecture politique de la terre algérienne assimilée à une femme volée et violée (p. 71-72), Kamel Daoud semble lui aussi se distancier peu à peu de la seule lecture postcoloniale pour aller de plus en plus vers l’hommage à Camus.

Rapport d’allégeance : l’absurde et la révolte camusiens

Il y a chez Daoud, malgré tout, des accents très camusiens : le roman ne cesse d’actualiser le canon à travers la tension entre l’absurde et la révolte. Nouveau Meursault, Haroun incarne, par le refus de l’absurdité de la mort de son frère et par son acharnement à vouloir se faire expliquer le meurtre, la condition absurde de l’homme. Plus il enquête, plus les éléments de l’histoire s’obscurcissent au lieu de s’éclairer, ce que révèlent les tournures interrogatoires très fréquentes (« Je me demandais… »). S’il est fait clairement allusion au mythe qui donne son titre à l’essai de Camus (« malgré l’absurdité de ma condition qui consistait à pousser un cadavre vers le sommet du mont avant qu’il ne dégringole à nouveau », p. 57), c’est toute la philosophie du cycle de l’absurde camusien que l’on décèle chez les personnages de Daoud. Ainsi, la longévité exceptionnelle et presque surnaturelle de la mère (Haroun a 82 ans et sa mère est encore en vie!) n’est pas sans rappeler le Mythe de Sisyphe : « Si je me persuade que cette vie n’a d’autre face que celle de l’absurde, si j’éprouve que tout son équilibre tient à cette perpétuelle opposition entre ma révolte consciente et l’obscurité où elle se débat, si j’admets que ma liberté n’a de sens que par rapport à son destin limité, alors je dois dire que ce qui compte n’est pas de vivre le mieux mais de vivre le plus ». Quant à la révolte de Meursault lors de la visite de l’aumônier, elle est actualisée sous forme de pastiche dans la scène où Haroun explose de colère face à l’imam : l’absurdité du meurtre lui révèle l’absurdité de la religion et de Dieu. Haroun incarne parfaitement la pensée de L’Homme révolté : « la révolte naît du spectacle de la déraison devant une condition injuste et incompréhensible » ; comme chez Camus, la révolte de Haroun n’est pas athée, elle est blasphématoire. Enfin, tout comme Meursault est moins jugé pour le meurtre que pour son indifférence à l’égard de la mort de sa mère, Haroun est jugé, dans une parodie de procès éminemment satirique, coupable de ne pas avoir tué au bon moment (celui de la guerre) et d’avoir tué un jour trop tard. Finalement, Meursault, contre-enquête est peut-être moins à lire comme une réécriture de L’Étranger que comme une réécriture des essais du cycle de l’absurde, témoignant d’une compréhension très fine de la philosophie de Camus qui éloigne de plus en plus le roman d’une simple histoire de vengeance. D’ailleurs, le dispositif énonciatif des confessions à un interlocuteur dans le bar rappellent celui de La Chute.

Dalila Abidi : Subordination aux modèles : Daoud et ses aînés

Kamel Daoud s’inscrit dans la lignée de la littérature algérienne de langue française, dans un rapport tutélaire à ses aînés : son texte est ancré dans la réalité historique de l’Algérie et, comme eux, il formule une critique virulente du colonialisme mais aussi des dysfonctionnements de la société algérienne contemporaine et de l’emprise croissante du religieux, à travers une verve satirique, des thématiques de prédilection et un profil de héros romanesque similaires. Pour mettre au jour ces échos, Dalila Abidi dresse un panorama de la littérature algérienne francophone en lien avec les différentes périodes de l’histoire du pays, en commençant par rappeler quelques distinctions. En effet, l’étiquette « auteurs algériens de langue française » peut englober des réalités très différentes, selon qu’il s’agisse de Français de souche pendant la période coloniale, comme Robert Randau ; d’auteurs arabo-musulmans dont l’œuvre se caractérise par l’acculturation et l’imitation du modèle colonial ; d’auteurs encouragés dans les années cinquante par l’École d’Alger, comme Kateb Yacine ; d’auteurs arabo-chrétiens, comme Jean et Taos Amrouche ; ou encore d’auteurs arabo-juifs. Jean Sénac a proposé de parler de « littérature algérienne d’expression française », puis de « littérature algérienne de graphie française ». On a encore pu parler de « littérature algérienne d’expression arabe et de langue française ». Malgré les tentatives pour la museler lors du processus d’arabisation après l’indépendance, cette littérature est très productive et trouve son lectorat de part et d’autre de la Méditerranée, avec un rayonnement international pour de nombreux auteurs et une large reconnaissance académique (prix littéraires, élection d’Assia Djebar à l’Académie Française…). On a pu qualifier ces auteurs algériens d’expression française tantôt de résistants, pour avoir écrit malgré la censure, tantôt de renégats, pour continuer à perpétuer la langue du colon. Bien que l’Algérie refuse de siéger à l’Organisation Internationale de la Francophonie, soupçonnée d’être pour la France un instrument de maintien du rapport de subordination et d’influence envers ses anciennes colonies, des auteurs comme Kateb Yacine ou Yasmina Khadra sont présentés comme des écrivains « francophones », et on leur demande régulièrement de se positionner par rapport à cette étiquette.

Un texte ancré dans la réalité historique du pays

La littérature algérienne de langue française émerge surtout à partir des années cinquante dans le contexte de la guerre de décolonisation et, si elle ne se limite pas à sa dimension idéologique, elle entretient néanmoins un rapport étroit avec l’histoire et l’actualité brûlante du pays au fil des périodes : le régime autoritaire de la période post-coloniale puis la guerre civile dans les années 1990. L’écrivain algérien est, comme le dit Frantz Fanon, « condamné à la plongée dans les entrailles de son peuple. ». Comme ses aînés, Kamel Daoud dresse le tableau d’une société qui piétine. Son roman couvre soixante-dix d’histoire de l’Algérie, de 1942, date du meurtre de Moussa, à 2012, au moment où Haroun raconte son histoire. La période coloniale est évoquée longuement pendant sept chapitres, non comme une simple toile de fond, mais comme une expérience qui participe à la destinée du personnage et à la construction de son identité. Les thèmes abordés sont l’injustice sociale et la misère des « indigènes », le manque d’éducation, le cloisonnement de la société. Le narrateur revient à plusieurs reprise sur l’évocation des taudis, de la famine et des épidémies dans son enfance, ce qui n’est pas sans rappeler le Camus des Chroniques algériennes de 1938 sur la misère en Kabylie. Une image obsédante du texte est celle de l’opposition scandaleuse entre un peuple affamé dépeint comme squelettique et spectral, et le stéréotype du colon repus et gras, « le Français obèse voleur de sueur et de terre », véritable figure d’ogre qui se nourrit copieusement de l’indigence des soumis. Cette sensibilité à la cause des opprimés, encore exacerbée en 2014, est comparable aux romans des années cinquante et soixante, comme la trilogie de Mohammed Dib : La grande maison (Paris, Seuil, 1952), L’incendie (1954), Le métier à tisser (1957). Un autre thème récurrent est celui du rôle salvateur de l’école, qui sort le héros de sa condition sociale et surtout lui donne accès à la langue française. C’est la langue française qui va libérer Haroun de l’emprise de sa mère en lui permettant d’ordonner le monde à sa manière, avec ses propres mots. Le rapport à cette langue est toujours ambivalent, car tantôt elle enferme (en tant que langue du colon), tantôt elle libère. De même, dans Le fils du pauvre de Mouloud Feraoun (Paris, Seuil, 1995), des paysans analphabètes font le choix de tout sacrifier pour que leur enfant aille à l’école.

Mais Haroun n’est pas plus tendre avec son peuple. Tout bascule au chapitre 8 lorsqu’il devient à son tour meurtrier, donnant à Daoud l’occasion de mettre en scène la désillusion, le désenchantement et le chaos ambiant de la période qui suit immédiatement la libération. La scène de l’interrogatoire, aux accents ubuesques, donne à voir un pouvoir déjà défaillant et injuste. Cette peinture satirique de l’Algérie post-coloniale rejoint le discours critique d’un Rachid Mimouni (La Malédiction, Paris, Stock, 1993) ou d’un Rachid Boudjedra (La Vie à l’endroit, Paris, Stock, 1997), qui dénoncent la trahison de la révolution et le nationalisme autoritaire des membres du FLN qui ont confisqué le pouvoir. Enfin, dans les années 2000, Haroun devenu un vieillard s’en prend à l’islamisation radicale du pays et son impiété lui vaut l’hostilité et les menaces de l’imam et de la communauté. Ce sujet touche de près Kamel Daoud qui a fait l’objet d’une fatwa lancée contre lui par un prêcheur salafiste à la suite de propos tenus dans l’émission de télévision On n’est pas couché en décembre 2014. De même, Boudjera, Mimouni et d’autres ont déjà été menacés de mort. Dans Le Blanc de l’Algérie (Paris, Albin Michel, 1995), Assia Djebar revient sur le massacre d’écrivains par les intégristes religieux lors de la décennie noire, comme Tahar Djaout tué en 1993. « Si tu parles, tu meurs. Si tu te tais, tu meurs. Alors, dis et meurs », disait Tahar Djaout. Kamel Daoud s’inscrit dans la filiation de ces auteurs qui cherchent à libérer la parole.

La figure du héros : la tension tragique du héros algérien

Enfin, le profil du narrateur Haroun n’a rien d’inédit : il est le frère jumeau des héros tourmentés des romans algériens des années cinquante à nos jours, caractérisés par leurs fractures et leur mal de vivre, tiraillés entre les traditions algériennes et la culture occidentale. Ce sont des hommes solitaires et souvent alcooliques, qui ne se reconnaissent pas parmi les leurs et entretiennent un rapport problématique avec le monde qui les entoure, fait d’échec et de faillite. Dès qu’ils tentent de s’affranchir des traditions ancestrales, ces héros se heurtent à un vide. Haroun vit « comme une sorte de fantôme » dans l’ombre de son frère mort et de sa mère quasi-immortelle, sorte d’ogresse qui a avalé l’existence de son fils. Il évoque sa lassitude et ses insomnies, son échec amoureux et familial, son incapacité à faire corps avec ses « frères », c’est-à-dire à rejoindre le maquis. Même le meurtre qu’il commet est marqué par le vide et la médiocrité : il abat, sans préméditation et sous la pression de sa mère, un homme désarmé et apeuré au seul motif qu’il aimait se baigner à quatorze heures. Cette vanité rend caduques son crime et, au-delà, son existence-même. Il rappelle en tous points le héros de La Malédiction de Rachid Mimouni ou celui de Timimoun de Rachid Boudjedra (Paris, Denoël, 1994).

Dalila Abidi et Virginie Brinker : Un roman à géométrie variable

Cette œuvre profondément circonstanciée, ancrée dans le réel et produite par une personnalité médiatisée pour ses polémiques (on se souvient de ses propos après Cologne), témoigne en fait de logiques de dominations qui la dépassent. On a pu reprocher à Kamel Daoud d’avoir opéré des changements en fonction de son lectorat, et notamment d’avoir gommé la dimension postcoloniale dans la version française. Au niveau du discours éditorial, le roman subit des orientations distinctes : ainsi la quatrième de couverture de l’édition française souligne-t-elle davantage la satire de la société algérienne incapable de résoudre ses contradictions et l’hommage appuyé à Camus, quand l’édition algérienne insiste plutôt sur l’aspect de critique de la colonisation. Au niveau de la réception, certains intellectuels algériens on parlé de « trahison », voire de « succès néocolonial », tandis qu’en France il est couronné du Goncourt du premier roman. On le voit, les discours politiques et idéologiques plaqués sur l’œuvre témoignent d’une appropriation et d’un usage intéressé d’un roman auquel vient se greffer la figure subversive de son auteur.

La séance se conclut sur la dimension de coup d’essai de ce premier roman qui semble en annoncer d’autres. Ce texte interpelle sur sa filiation générique : malgré la mention de « roman » sur la couverture, il relève tout à la fois de l’enquête, de la chronique journalistique et du dispositif théâtral. Il y a en germe une hybridité générique qui laisse entrevoir la possibilité que le roman devienne à son tour tutélaire : on pense à l’adaptation théâtrale du roman par Philippe Berling.

La discussion a porté sur les difficultés que pose l’ambiguïté du roman dans la mesure où Haroun assimile Meursault à Camus. On ne sait jamais si l’écrivain et le meurtrier sont la même personne, ce qui entérinerait bien une lecture politique, ou si le Meursault de Daoud est à comprendre comme un personnage appartenant à l’univers fictionnel. C’est d’autant plus confus que certaines contradictions internes heurtent la vraisemblance. Toutefois, l’ambiguïté de l’intrigue, voire les maladresses dans sa construction, ne semblent rien enlever à la dimension d’hommage, et même d’allégeance.

Séminaire Culturaliste. Dominations. Sixième séance

Jeudi 3 novembre de 14 h à 17 h aura lieu la deuxième séance de l’année du séminaire « Dominations ». Elle aura lieu dans la salle des Séminaires de la MSH de l’université de Bourgogne.

 

Nous entendrons Virginie Brinker (Université de Bourgogne) et Dalila Habidi (Université de Bourgogne) dans une double séance à propos du livre de Kamel Daoud, Mersault, contre-enquête.

 

Venez nombreux-ses !

Avant de commencer la saison deux, un petit résumé.

Pour patienter d’ici jeudi, un bilan de la première année « Dominations », réalisé par une de nos étudiantes. Cela permettra à celles et ceux qui nous ont suivi l’an dernier de se rafraîchir la mémoire et à celles et ceux qui nous découvrent… de nous découvrir…

 

Bonne lecture !

 

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Séminaire Culturaliste : Dominations. Cinquième Séance.

Jeudi 13 octobre de 15 heures à 17 heures aura lieu la cinquième séance du séminaire « Dominations ». Cette séance se tient au Forum des Savoirs, Maison des Sciences Humaines, Université de Dijon.

 

Alexandre Jacquel (Université de Bourgogne) « Quelques aspects de l’hellénisme dans la Vie d’Apollonios de Tyane de Philostrate »

 

 

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Journée doctorale du CPTC

Le mercredi 23 mars à l’amphithéâtre de la MSH de l’université de Bourgogne aura lieu la journée doctorale annuelle du CPTC. Les questions qui y seront évoquées concernent tout particulièrement l’axe LmM. Venez nombreux-ses !

Organisée par Irène Le Roy Ladurie, Léonie Ollagnier, Emmanuelle Rougé et Simon Stawski

10h-10h45

Siegfried Würtz : Dieu est fasciste. Enjeux dramatiques, esthétiques, politiques, moraux et religieux de la représentation du lien entre pouvoir et responsabilité dans le comics de super-héros américain

10h45-11h30

Alexandre Jacquel : Construction de la figure du sage, construction du récit dans la Vie d’Apollonios de Tyane de Philostrate

14h-14h45

Aurore Foucart : L’homosexualité féminine dans la littérature française de la Belle Époque

14h45-15h30

Lise Desceul : Représentations féministes de l’homosexualité féminine dans les fictions contemporaines écrites par des auteures de culture indienne

15h30-16h15

Irène Le Roy Ladurie : Caresse, tact et contact dans les représentations contemporaines de la sexualité

 

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Séminaire culturaliste : Dominations. Quatrième séance

Jeudi 24 mars de 13 h à 16 h aura lieu la 4e séance du séminaire culturaliste « Dominations ». Attention : cette séance a lieu salle du Conseil des Lettres (Bâtiment Gabriel, Université de Bourgogne).

Christine Détrez (ENS de Lyon) : « Lire des mangas à l’adolescence : à la recherche de la légitimité perdue ».

Raphaëlle Guidée (Université de Poitiers) : « Contre la domination : le parti pris du petit ».

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Séminaire Domination. Séance du 8 décembre 2015 – A. Debrosse / S. Laigneau-Fontaine

Anne Debrosse. « 2500 ans dans la vie d’un groupe de femmes ».

L’un des « invariants » bourdieusiens participant des mécanismes de la domination masculine concerne l’exigence de silence imposée à la parole des femmes. Culturelle et sociale, cette exigence se retrouve également dans le domaine littéraire. En témoigne, depuis l’Antiquité, le traitement réservé à Sappho, la « première voix de femme », et à l’ensemble des poétesses grecques. S’est en effet constituée très tôt, dans le droit fil des catalogues alexandrins et sur le modèle des neuf merveilles du monde, une liste canonique de neuf grandes poétesses grecques (attestée depuis Antipater de Thessalonique) qui s’est perpétuée plus ou moins telle quelle au long de l’histoire, jusqu’aux anthologies contemporaines. D’abord limité aux poétesses, ce phénomène de regroupement s’est rapidement étendu à toutes les femmes célèbres, réelles et mythiques, artistes ou non. Leur regroupement en lignée relève par ailleurs largement d’une construction chimérique et exemplaire, destinée à servir de modèle, à légitimer l’écriture des femmes et à ouvrir la voie dans la construction d’une identité de femme auteur. Or cette pratique de la liste, reprise abondamment à la Renaissance, a ceci de particulier qu’elle repose sur un critère purement corporel, la voix féminine s’identifiant et s’incarnant dans un corps féminin.

Certes, un tel critère n’est pas totalement inopérant, ne serait-ce que parce que la poésie antique  elle-même exploite cette différenciation des voix (cf. les choeurs, féminins, masculins ou mixtes, ou encore les chants amoebées opposant hommes et femmes). Pour autant, l’analyse genrée d’une telle littérature, et notamment l’identification d’une supposée écriture féminine via ses images de prédilection (le corps, l’animalité etc), pose le problème de lectures possiblement anachroniques, idéalisantes et téléologiques – qui au bout du compte en disent plus sur nous que sur les textes originaux.

Surtout, le choix du critère corporel soulève la question de ce que F. Héritier appelle la « valence différentielle des sexes », ici liée au statut de l’auteur; car là où les poètes sont d’habitude réunis par genres littéraires, les poétesses le sont, elles, en tant que représentantes de leur sexe – d’un côté le corpus, de l’autre le corps, donc. Dès la Renaissance cependant, le critère de la moralité influe sur la constitution de ces listes: les figures grecques, contaminées par la réputation de Sappho et jugées trop scandaleuses, et trop bavardes, tendent à être exclues au profit de figures plus morales, plus silencieuses aussi (matrones latines, héroïnes bibliques et chrétiennes). Le paradigme de la femme savante respectable est alors exploité en vue de l’édification du public féminin (chez les Scudéry notamment), mais prive les femmes auteurs de véritable modèle, d’autant que les textes des poétesses elles-mêmes ont largement disparu (90% de l’oeuvre de Sappho a disparu), et que ceux des autrices médiévales ne bénéficient pas de l’aura et de la valeur de l’antique. Que faire dès lors quand l’imitation vise un modèle disparu? Si Louise Labé dit prendre Sappho pour modèle, ce sont surtout Ovide et Pétrarque qu’elle imite concrètement. Et son oeuvre de devenir bisexuelle, tantôt féminine tantôt masculine, selon que la critique met l’accent (comme J. de Jean) sur sa sensibilité sapphique, tantôt (comme M. Huchon) sur une érudition assimilée nécessairement au masculin.

Le rapport au modèle se réduit dès lors à l’adoption d’une posture d’auteur qui, une fois encore, se définit non par le corpus, mais par le corps. L’intérêt se fixe sur les figures d’autrices davantage que sur leurs textes, ce qui explique en partie leur mauvaise conservation: il s’agit de préserver les figures plus que les oeuvres, dont la transmission est soumise, davantage que pour les auteurs hommes, au critère de la valeur. Certes, l’essor des études de réception a permis la redécouverte de nombreux textes, mais en évacuant, puisqu’il s’agit précisément de remettre en cause les canons, la question de la valeur. D’un côté comme de l’autre donc, les oeuvres des poétesses grecques peinent à s’imposer, et fonctionnent essentiellement comme des modèles creux, dont l’excellence se réduit à la simple réputation. Reste que la résistance de ce groupe de femmes existant depuis 2500 ans ne laisse pas d’étonner: à l’heure où les autrices n’ont plus forcément besoin de modèles proprement féminins, une poétesse comme Carol Ann Dufy s’inscrit explicitement dans la lignée et l’héritage de Sappho, dont elle continue d’adapter les thèmes.

Sylvie Laigneau-Fontaine.  « De la domination de la femme à la domination de l’élégie  : une révolution élégiaque ? »

L’élégie, genre qui désigne dans l’Antiquité tout poème écrit en distique élégiaque, et ce quelque soit le sujet, se spécialise chez les Latins dans le thème amoureux, dont le traitement novateur va à l’encontre des conceptions traditionnelles de la société romaine sur le statut de la femme et de la sexualité. Celle-ci se définit en effet, selon P. Veyne (Histoire de la vie privée), comme un esclavagisme – la femme est entièrement au service de l’homme – doublé d’un virilisme condamnant, dans l’hétérosexualité comme dans l’homosexualité, toutes les formes de passivité, cette « impudicitia » particulièrement grave lorsqu’elle concerne un homme libre. Or c’est à cette morale sexuelle stricte, encore durcie par la politique augustéenne de moralisation de la société, que vont s’opposer les élégiaques.

Dans son Ars amandi, véritable manuel dont le titre s’inspire des artes dicendi, Ovide critique ainsi la chasteté contrainte et propose un plaidoyer pour le droit au plaisir féminin. En incitant les hommes à se montrer attentifs au plaisir de leur partenaire, les élégiaques vont à l’encontre de la morale traditionnelle et inventent, à destination d’une société où, parce qu’il existe justement, l’esclavage possède tout son sens, le motif du servitium amoris, que reprendra plus tard la poésie courtoise: l’amant y est présenté, mieux, s’y revendique comme esclave d’une domina (terme à l’origine de celui de « dame »).

Pour autant, cette poésie ne peut être considérée comme féministe. Peu importe à cet égard que les élégiaques aient trop peu appliqué ces principes dans leur propre vie ou que la femme qu’ils chantent dans leurs oeuvres ne soit qu’une maîtresse de papier; car l’éthos des poètes, lui, est constant: que les sentiments évoqués soient sincères ou non, l’essentiel est qu’ils soient exprimés, et qu’ils signalent un début d’évolution des mentalités. Plus intéressante en revanche est l’idée d’une lecture méta-poétique de la poésie élégiaque, pétrie d’alexandrinisme (cf. les analyses d’A. Deremetz et P. Galland-Hallyn). Une telle approche permet en effet d’associer l’éthique et l’esthétique, voire de déplacer le débat de la première à la seconde. La remise en cause de la morale sexuelle traditionnelle renverrait ainsi à une remise en cause de la hiérarchie poétique traditionnelle (voir par ex. Amours III), et le plaidoyer pour le plaisir féminin à un plaidoyer en faveur d’un métissage des genres. C’est également ce que suggère l’épisode de Sémélé dans les Métamorphoses, où certains personnages ont une valeur méta-littéraire (en l’occurrence Zeus peut apparaître comme un double du poète), et où l’épopée se présente explicitement comme une oeuvre hybride.

Séminaire Dominations. Séance du 4 février 2016

Séminaire Dominations – 4 février 2016

Vanessa Besand, Université de Bourgogne

« Domination masculine et domination culturelle dans l’oeuvre de Elfriede Jelinek »

L’oeuvre d’E. Jelinek (1946-), prix Nobel 2004, a pour particularité de convoquer un vaste intertexte issu de la culture mass-médiatique contemporaine, lequel, dans des romans comme Les amantes (Die Liebhaberinnen, 1975) et Lust (1989), lui permet de traiter la question de la domination masculine en l’incluant dans une approche plus vaste que la simple question du genre. Il s’agit en effet, puisque « raconter des histoires ne l’intéresse pas », de décrire cliniquement, loin de tout réalisme, des schémas sociaux de domination et, ce faisant, de les mettre à nu.

Or c’est toujours par le langage que se fait cette déconstruction critique. Dans Lust où la femme n’apparaît que comme un instrument sexuel au service de l’homme (mari ou amant), c’est le langage masculin qui, par la narration extra-diégétique, l’hyperbole et la crudité de la langue, est investi et par là même subverti de l’intérieur. Mais c’est surtout par la reprise du langage de la culture mass-médiatique (revues, romans d’amour et feuilletons), dont les femmes et les couches populaires sont le lectorat principal, que sont exhibés et dénoncés les effets léthargiques et déréalisants d’une culture de consommation perpétuant les valeurs patriarcales. Ainsi, dans Les Amantes, les héroïnes et leurs idylles sont présentées selon les codes du roman à l’eau de rose, pris au pied de la lettre par des personnages féminins en partie complices d’un asservissement auquel elles participent par mutisme ou passivité. Ce qui est en cause est donc la réception de cette culture, Jelinek rejoignant ici la démarche des culturalistes, mais en artiste: l’ironie et le sarcasme du narrateur distancé et cruel lui permettent de prendre ses distances avec une certaine tradition féministe (on le lui reprochera) et d’articuler subtilement dominations masculine et culturelle par un travail de sape systématique. Que ce soit par la langue masculine ou par celle de la culture de masse, également oppressives, il s’agit toujours de s’insinuer dans la langue de l’ennemi et de la réinvestir dans le texte pour la détourner et la subvertir en créant une série d’écarts et de décalages permis par la narration extra-diégétique.

Une série de stratégies de diffraction énonciative – citations décalées, clichés éculés (le motif du corps féminin comparé à un paysage) détournés par un discours narratorial toujours ironique –  permet de faire parler la langue et de dévoiler l’idéologie qu’elle recèle. Aussi ce discours s’adresse-t-il toujours au lectant, lecteur actif et réflexif (pour reprendre une catégorie que Vincent Jouve oppose à celle, passive, du lisant), à qui est refusé tout confort de lecture.

Contre la conception de la culture comme divertissement ou détente, Jelinek réaffirme ainsi la nécessité d’une véritable pratique artistique. Le refus de l’indistinction ou du nivellement culturel passe notamment par le recours au collage, qui télescope extraits de magazines, de romans, de slogans, mais aussi nombre de références plus ou moins cachées à la grande tradition biblique, littéraire et poétique (Rilke par ex).  Utilisé comme une « technique de montage », le procédé vise, tout en exhibant l’idéologie sous-jacente de la culture de masse, à faire ressortir et sonner, presque musicalement pour cette pianiste de formation, la littérature et la poésie véritables.

Discussion:

– Sur la question de la dimension philosophique de la démarche de Jelinek: bien qu’elle renvoie explicitement à la dialectique hégélienne du maître et de l’esclave pour évoquer la situation de la femme, la référence (topique dans le discours de gauche des années 1960-70) n’est pas réellement creusée, et les intrigues ne mettent pas en oeuvre jusqu’au bout le retournement dialectique.

– Le travail sur la langue et la dénonciation de son contenu idéologique rejoignent d’une certaine manière, après les travaux de Klemperer sur la langue nazie, une réflexion plus large sur les rémanences du fascisme dans un pays, l’Autriche, où le travail de mémoire s’est fait tardivement, et mal.

– La question de la dimension autobiographique de l’oeuvre est délicate: aussi bien son père qu’elle-même ont été victimes de sa mère, ce qui renverse les schémas dominants et attendus. Difficile néanmoins d’en faire une clef de l’oeuvre.

Angoulême: Où sont les femmes ? Notes de festival

Compte rendu de la table ronde « Bande dessinée : où sont les femmes ? » menée par Sylvain Lesage (maître de conférences en Histoire à l’Université de Lille 3) avec Marion Amirganian (éditrice Delcourt Editions), Jessica Kohn (doctorante, chargée de cours sur la Sociologie de la Bande dessinée à Paris 3 et Bordeaux Montaigne), Pierre Nocerino (doctorant en Sociologie, EHESS, Labex Tepsis, expert auprès des Etats Généraux de la BD) et Johanna Schipper (dessinatrice, enseignante).  Table ronde organisée par la Cité  Internationale de la BD et de l’image à Angoulême, le 30 janvier 2016.

La discussion organisée de manière impromptue dans le vif de la polémique soulevée par le Collectif des créatrices de bande dessinée contre le sexisme[1] et après la séance 2016 des Etats Généraux de la Bande dessinée, a réuni des actrices du milieu professionnel de la bande dessinée : Johanna Schipper, enseignante, dessinatrice mais aussi membre du collectif et Marion Amirganian éditrice chez Delcourt, en charge d’autrices comme Marion Montaigne, mais aussi des représentant-e-s du monde scientifique, spécialistes de Bande dessinée, comme Jessica Kohn doctorante en Histoire et Pierre Nocerino sociologue, actif au sein des Etats généraux de la Bande dessinée.

  • De « l’erreur symbolique » à l’erreur symptomatique : retour sur la polémique du festival et les revendications du collectif

La discussion s’est pour beaucoup centrée sur l’analyse et la déconstruction des discours qui ont entouré la polémique et des formes que les revendications ont prises au terme du débat. Johanna Schipper a rappelé la suite des événements : le collectif des créatrices de la Bande dessinée contre le sexisme a soulevé un problème lorsque la liste pour le grand Prix du festival d’Angoulême 2016 publiée, il n’apparaissait aucun nom d’autrice. Après publication d’un texte[2], le collectif a rapidement subi moqueries et quolibets, avant que l’influence de ce pavé ne fasse son effet dans le monde du 9ème art, puis, jusqu’à la sphère politique, une fois relayé par les médias. La polémique a pris de l’importance au fur et à mesure que les errances et les tâtonnements des organisateurs du festival ne mettent au jour des discours minorant l’existence des créatrices de bande dessinée. Une rencontre politique a eu lieu entre, d’un côté Johanna Schipper et Marion Amirganian et de l’autre, Fleur Pellerin et Pascale Boitard.  Johanna Schipper et Marion Amirganian ont insisté au cours de la discussion que l’échange avait permis la transmission d’une demande spécifique pour les autrices de bande dessinée, en s’appuyant sur l’aboutissement de l’enquête des états généraux 2015.

Un accent tout particulier devrait être mis sur la place des autrices dans la chaîne du livre autour de questions de marketing et de commerce, afin de sensibiliser davantage les autrices aux moyens de se promouvoir dans cette économie qui semble faire abstraction d’elles. Marion Amirganian a souligné quant à elle l’importance de revoir la classification des auteur-e-s en bande dessinée et que dans les lieux stratégiques de promotion du 9ème art un effort soit fait autour des langages, revenant ainsi sur les paroles très durement vécues des représentants du FIBD au cours de la polémique.

Cette mise à l’écart des créatrices de bande dessinée, contre laquelle s’érigeait la discussion repose semble-t-il sur des constructions sociologique, éditoriale, culturelle et économique de la catégorie d’auteur en bande dessinée. Ainsi, comme le faisait remarquer Johanna Schipper, « l’erreur symbolique » dont se justifiait Franck Bondoux dans son communiqué sur l’absence de femmes dans la liste du grand prix, tiendrait davantage à une erreur symptomatique d’un sexisme du 9ème art, dont la prise de conscience doit s’ensuivre d’une volonté nette et franche de « refaire l’Histoire de la BD » pour paraphraser et contredire le délégué général du FIBD.

  • « Il était une fois l’auteur de bande dessinée » : construire la fiction de l’auteur et de l’autrice de bande dessinée

Comme le souligne Johanna Schipper, les catégories d’auteur et d’autrice de BD reposent largement sur ce qu’elle appelle des « fictions ».

La première fiction est celle du « maître » et de la transmission : de cette fiction découle, par exemple, l’idée que le dessinateur ou la dessinatrice n’apprendrait pas à l’école, elle apprendrait « sur le tas », au contact d’un maître d’atelier, réalité historique de la BD au 20ème siècle, semblable alors aux grands maîtres de la peinture. Dans cette économie la femme n’a pas sa place. Comme le souligne Jessica Kohn, les autrices de BD antérieures à 1968, travaillent aussi pour beaucoup dans les ateliers et les rédactions de journaux pour garçons, or, elles sont coloristes, lettristes, et n’ont presque jamais accédé au statut d’autrices à part entière. De plus, la fonction d’auteur, rappelle l’historienne, n’est plus au 21ème siècle polyvalente comme lors, alors que les femmes créatrices de BD ont conservé cette identité. Face à cette fiction du maître d’atelier doit s’inscrire, comme c’est le cas à l’EESI désormais des figures d’autrices au centre de la formation des étudiants en art de l’image. Johanna Schipper relate, par exemple, le sentiment d’espoir qu’elle a ressenti lorsqu’elle a découvert des figures de « maîtres » reconnues par la profession dans les autrices féministes de la fin du 20ème siècle comme Jeanne Puchol. Le défi, pour elle, serait que les jeunes auteurs participent aussi à la célébration des carrières de créatrices.

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La seconde fiction est celle du « trait féminin » : selon le vieil adage, « le style c’est l’homme », qui semble faire loi aussi dans la BD, on reconnaît un auteur et son univers à son trait, à son style, or « le féminin » est associé dans l’histoire de l’édition à un style immédiatement reconnaissable et assignable à des genres artistiques. Pour Marion Amirganian ce que l’édition définit comme « féminin » est un style « joli », et « élégant ». Associé aux couleurs pastel douces, au trait rond et large, aux thèmes de l’enfance, le style féminin est historiquement lié pour Jessica Kohn aux arts d’agréments réservés aux femmes de la bourgeoisie. Musique, dessin, littérature étaient enseignés aux jeunes filles de la bourgeoisie, dans un but de plaisir et d’élévation morale, tandis que toute pratique créatrice chez les hommes étaient fortement liée à un savoir-faire et une pratique professionnelle. A ces enseignements s’attachent la notion de transmission maternelle qui incombe à la femme.  Le style féminin se construit ainsi autour du dessin pour enfants. Manon Iessel, un des noms de la liste des autrices de BD oubliées dressée par Jessica Kohn, créatrice des années 30 dessine la série Pat et Piou associant un petit enfant et un mignon petit canard. Pour répondre à ces stéréotypes historiquement construits, le collectif a proposé cette année un atelier aux auteur-e-s autour des différences entre trait masculin et trait féminin, tentative pour dévoiler la construction purement artificielle de ces catégories esthétiques[3].

iessel10

Jessica Kohn présentait une liste de 36 dessinatrices et illustratrices antérieures à 1968, parmi elles seules quatre étaient recensées dans les dictionnaires et les histoires de la BD comme autrices à part entière : Nadine Forster, Marie Mad (Marie-Madeleine Bourdin), Claire Bretécher et Liliane Funcken. Elles seules avaient été publiées en album. La « fabrique de l’invisibilisation », comme l’appelle Sylvain Lesage, prend acte de ces fictions auctoriales en les transposant dans des catégories éditoriales et juridiques qui mettent à l’écart les autrices. Par exemple, la collection « Mirages » dont faisait partie Johanna Schipper a été lors de sa création associée par critère de sexe, car la collection était constituée par des autrices, à des manifestations de promotion de type féminin : salons de la femme et autres.  Johanna Schipper associe l’échec de son album à ces stratégies de diffusion genrées qui reposent encore sur ces « fictions » d’autrices façonnées par un monde éditorial ignorant de la réalité et des conditions de vie des créatrices de bande dessinée.

Trait féminin ou trait masculin – reportage du Monde

  • « La fabrique de l’invisibilisation » : chiffres et recensement

Jessica Kohn rappelle donc que 10 % des auteurs d’illustrés dans les années 50 étaient des femmes contre les 1% admis par l’histoire de la BD. Pierre Nocerino montre qu’aujourd’hui on en compte 15% alors que les recensements des EGBD en dénombrent 27%. Johanna Schipper rappelle qu’au début des années 2000, les femmes dans la BD ont commencé d’être davantage visibles dans le mouvement du grand prix de Florence Cestac et de la reconnaissance d’autrices comme Marjane Satrapi. Pourtant des processus sociologiques semblent encore occulter l’existence des créatrices de bande dessinée. Par exemple, Pierre Nocerino rappelle que l’écart de proportion masculin/féminin constaté aux EGBD relève d’une pratique éditoriale qui consiste à attribuer le statut d’auteur à partir de trois publications. Le recensement des EGBD révèle par ailleurs qu’une proportion des auteur-e-s est largement amateure d’une part, et que d’autre part, on peut reconsidérer d’un point de vue critique cette catégorie, lorsque l’on constate avec Jessica Kohn que la trentaine d’illustratrices recensée avant 1968 n’a pas eu accès au livre, car, spécialisées dans la publication pour fillettes, leur œuvre a été minoré et passée sous silence.

Ainsi Pierre Nocerino pose la question de la possibilité pour les auteur-e-s de se saisir d’outils d’objectivation de leurs activités. Les recensements mis en place par les EGBD mettent à la disposition des acteurs du 9ème art les outils de calculs des revenus des auteur-e-s et de leur nombre. Le recensement large et les méthodes éloignées des critères économiques des maisons d’édition permettent de donner une autre image de la profession. Les résultats montrent qu’il n’y pas considérablement plus d’amateurs chez les créatrices que chez les créateurs de BD, et que les écarts de salaire entre les auteurs et les autrices suit la courbe générale de la population française, en montrant une disparité en faveur des hommes. Marion Amirganian, elle, constate que dans l’édition l’écart de salaire n’est pas lié au genre (on ne paie pas moins une planche d’autrice), mais davantage à l’accès des femmes à la publication.

La discussion a ainsi pu mettre au jour les pratiques qui avaient occulté et continuent de le faire la place des autrices dans la BD. Refaire l’Histoire de la BD n’est pas une fantaisie, elle semble une nécessité sociale et artistique que le festival d’Angoulême, comme critère « international » d’évaluation des auteurs, doit assumer, en tant que gage d’exemplarité pour la profession bédéistique en général.

Note: une rediffusion intégrale de la discussion sera publiée prochainement sur le site de la Cité

[1] www.bdegalite.org

[2] http://bdegalite.org/fibd-femmes-interdites-de-bande-dessinee/

[3] http://lemonde.fr/bande-dessinee/video/2016/01/30/dessin-feminin-ou-masculin-a-angouleme-les-auteurs-veulent-casser-les-prejuges_4856594_4420272.html

Compte-rendu du séminaire “Dominations” du 25 novembre 2015- Rap et littérature

-Virginie Brinker, Université de Bourgogne : « Ma bouche sera la bouche des malheurs qui n’ont pas de bouche, Frantz Fanon et Aimé Césaire, icônes du rap français ? »

L’intervention de Virginie Brinker porte sur la façon dont le rap français (entendu comme le rap écrit en français et produit en France) utilise la culture littéraire à travers les références à Frantz Fanon et à Aimé Césaire.

La réflexion s’articule autour de trois axes.

Dans un premier temps, V. Brinker analyse la portée de l’acte de référence entre subversion et reconnaissance implicite du canon. Le rap est un mouvement qui se considère en marge et faire référence à Fanon c’est s’inscrire dans une pensée radicale. Il y aurait une violence commune entre les textes de Fanon et ceux des rappeurs, même si Alice Cherki invite à reconsidérer cette idée en affirmant que c’est surtout Sartre qui a radicalisé la pensée de Fanon en justifiant la violence que ce dernier ne faisait qu’analyser. La référence à Césaire se situe dans la même lignée. En effet ce dernier a fait l’objet d’un débat lorsque ses textes ont été proposés au programme du Bac L en 1994 car certains députés étaient choqués que l’on puisse proposer au Bac un auteur qui compare nazisme et colonialisme. Ce dernier point montre aussi que les textes de rap sont sous-tendus par une pensée politique, ce que vient confirmer l’expression du groupe La Rumeur : « rap de fils d’immigrés». V. Brinker conclut ce premier point en affirmant que rivaliser avec le canon en se référant à des œuvres censées le subvertir, c’est le reconnaître malgré tout. Elle explique d’autre part que s’inscrire dans cet héritage de Fanon et de Césaire serait aussi un acte de légitimation littéraire.

La deuxième question abordée est celle de la référence comme matrice de production d’une pensée contemporaine politique et sociale. Fanon et Césaire ne sont pas seulement des hommes de lettres : Fanon est un intellectuel qui a révolutionné les thèses en psychiatrie et Césaire est un militant anticolonialiste. La Rumeur et Casey sont eux-mêmes issus d’anciennes colonies française et le « rap de fils d’immigrés » va reprendre la lutte contre les dominations postcoloniales avec, au cœur de leur texte, la question de la « négritude ». Pour Fanon, le colonialisme crée une aliénation, l’incapacité de se penser autrement que comme autre. L’expression qu’il utilise dans Peau noire, masques blancs, « moi homme de couleur », est l’affirmation d’une prise de conscience de la façon dont on le perçoit. Cette notion est reprise dans les textes de rap. Cependant, il y a une critique de la négritude chez Fanon qui déplore le fait qu’elle devienne une nouvelle essentialisation alors qu’elle n’est qu’un stade dialectique qui doit permettre de s’affranchir de cette aliénation. V. Brinker montre qu’il y a par exemple chez Youssoupha, dans  Rendons à Césaire, une tension permanente et non résolue entre perception communautaire et perception non-excluante.

Virginie Brinker aborde dans un dernier temps la question stylistique : elle démontre qu’il y a bien, dans l’écriture de ces textes, un héritage palpable de Fanon et Césaire. Elle rapproche par exemple la théâtralité du texte de Casey, qui a recours à l’adresse directe, de celle de Césaire et montre que la picturalité du texte Nature morte de la Rumeur (« pour que chaque plaie s’ouvre et vienne tâcher leur ciel ») est proche de la conception de l’image que l’on trouve chez Fanon.

 

-Cyril Vettorato, ENS de Lyon : « Que fait le rap à la langue littéraire ? Pistes de réflexions et exemples (Brésil, Caraïbes, Etats-Unis). »

Dans son intervention, Cyril Vettorato s’est interrogé sur la façon dont certains auteurs s’inspirent du rap et ce que cela apporte à leur travail. Il s’appuie sur un corpus de huit textes poétiques contemporains parus entre 1990 et 2000 d’auteurs considérés comme véritablement littéraires, reconnus par la critique et le milieu universitaire. Il a choisi des textes qui font explicitement référence au rap pour éviter toute interprétation subjective.

Il ne s’agira pas, à travers cette intervention, de chercher à définir une littérature hip hop ni de savoir si le rap est une littérature. L’objectif sera de questionner l’interférence du premier dans le second et d’observer ce que le rap fait à la langue littéraire. C. Vettorato explique que l’efficacité esthétique des jeux poétiques reposant sur l’intégration du rap dans les textes poétiques littéraires repose sur des attentes spécifiques chez les lecteurs de ce qui n’est pas la langue littéraire. Il s’interroge donc sur les enjeux de la présence de la langue du rap en tant que langue perçue comme « autre » dans la culture littéraire.

Le rap est un réservoir de formes et de valeurs associées à ce genre musical. Il y a l’idée d’une transgression dans le rap, le recours à des termes argotiques et des formes d’interpellation : Ernest Pépin va parler des ghettos urbains, de la pauvreté et de la banlieue en se revendiquant du rap.

Cyril Vettorato souligne également l’aspect percussif du langage dans le rap. Certains auteurs recherchent des effets analogues avec la récurrence de vers très brefs, de la paronomase, la virtuosité du langage. Certains écrivains s’emparent donc du rap pour voir ses potentialités créatives.

L’étiquette « rap » sert à mettre en tension la littérature et son autre et à contester certains aspects de l’histoire littéraire. C’est ce que fait Cairo, poète Cubain, en mêlant dans ses textes, où il parle de l’actualité et du néo-colonialisme, le rap à un canon littéraire national, les « décimas ».

Le rap peut donc être mis au service d’un discours politique, il peut être aussi porté comme un masque pour être subverti (chez Paul Beatty et Douglas Kearney par exemple), il peut également être employé pour sa valeur poétique.

Cyril Vettorato conclut sur l’idée que ces textes hybrides ne rejettent pas le canon littéraire mais affirment la nécessité d’un canon élargi.

Séminaire culturaliste: Compte rendu de la séance d’introduction « Dominations » (3 novembre 2015)

Autour de deux interventions, l’axe LmM a proposé le mardi 3 novembre 2015 une introduction théorique et thématique au concept de la domination au travers des études culturelles et de la sociologie.

Ainsi, Henri Garric passe au crible, pour l’analyser, la typologie weberienne de la domination. Tripartite et découlant de la typologie de la légitimité politique, la domination weberienne est bureaucratique, patrimoniale ou charismatique.

La domination bureaucratique repose sur l’organisation rationnelle des règles qui régissent un groupe ou une société. Dans les représentations, elle prend la forme du sérieux comme les ordres du chef de bureau que refuse avec un systématisme qui confine à l’absurde le personnage de Bartleby dans Bartleby, le scribe de Melville. Ce système de domination trouve sa légitimité dans l’obéissance.

La domination charismatique repose sur la figure du héros, irrationnelle, émotionnelle et instable, elle fonde l’Etat mais ne peut le faire subsister. Siegfried dans le cycle des Nibelungen de Fritz Lang incarne cette violence fondatrice qui se résout par la mort du héros.

La domination patrimoniale repose sur la notion d’héritage biologique ou spirituel : la légitimité politique passe par une filiation qui fait glisser le pouvoir d’une personnalité vers une autre. La trilogie des premiers épisodes de la saga Star Wars repose sur la reconnaissance ou non de l’autorité patrimoniale. Palpatine fait accéder comme son héritier spirituel – dans son projet de faire du jeune padawan un seigneur Sith, comme lui –  Anakin au conseil des Jedi, contre les règles internes de cette organisation.

Outre le fait que Max Weber évacue du schéma de la domination politique la figure féminine, le problème que pose cette typologie touche à la « volonté affirmée » qui fait de la domination dans la sociologie de Weber, une sorte de contrat, une  « configuration d’intérêts » qui, dans l’Allemagne de ce début de 20ème siècle, fait l’économie de la domination par le capital. Il n’y a de domination qu’intentionnelle pour Max Weber. Ce que contredira par la suite la sociologie bourdieusienne qui analyse la domination comme inhérente à des structures sociales, notamment à travers le concept de « domination symbolique ».

Vanessa Besand propose une relecture de l’histoire des études culturelles autour plusieurs faits marquants : d’une part une histoire internationale dans laquelle la France fait figure de résistante, et d’autre part la profonde redéfinition de la notion de culture passant au filtre d’un élargissement et d’un éclatement.

On peut dater l’apparition du terme cultural studies autour d’un centre de recherche de Birmingham dans les années 60 (Centre for Contemporary Cultural Studies) qui visait à décloisonner le regard universitaire par l’étude d’objets culturels considérés comme subalternes. Les Etats Unis prennent le relais dans les années 80. La France, avec l’Allemagne, semble hermétique, malgré le fait qu’un groupe d’intellectuels français, de ceux qu’on appellera par la suite la « French Theory » (Deleuze et Guattari, Michel Foucault, etc.), ait considérablement nourri ces recherches autour de grands colloques internationaux comme le colloque Semiotext en 1973 à Columbia.

Ces axes de recherche questionnant toutes formes de dominations – de genre, de race ou de classe – interrogent également la place des arts dans le champ dominant. Redéfinissant profondément la notion de culture, comme sujet d’étude, en l’élargissant à la culture « pop’ » et en faisant la promotion d’une circulation des savoirs au-delà des cloisonnements disciplinaires, le critique se propose de « trouver dans la culture populaire une expression authentique de valeur[1] » (Jonathan Culler, page 244). S’intéressant au corpus écrit notamment, les études culturelles reposent sur ce « glissement fondateur qui mobilise vers la culture profane les outils théoriques issus des études littéraires » (Armand Mattelart et Erik Neveu, page 40). Il peut s’agir, par exemple, des outils développés par Roland Barthes avec la sémiologie. Le décloisonnement disciplinaire passe par des interrogations en miroir de domaines de la pensée : le critique cherche une correspondance féconde entre les arts et les changements sociaux.

Ouvertement pluridisciplinaires, souterrainement « contre-disciplinaires », les études culturelles se construisent en marge des contenus dominants ou dominateurs. La culture précédemment liée à la construction d’une nation migre vers des cultures de groupe (de genre, social, ethnique), proposant des discours critiques contre les instances perçues comme dominantes par le passé comme le montre, par exemple, la critique du mâle blanc occidental et hétérosexuel.

Se voulant performatrices, les cultural studies, cherchent-elles à recréer des équilibres ou renverser les logiques ? Etablir la valeur esthétique d’objets littéraires considérés comme subalternes, par la recherche et l’analyse de la littérarité, par exemple, passe par un questionnement sur les modalités d’affirmation de ces nouvelles approches. Il ne s’agit pas de remplacer une lecture dominante par une autre mais de tenter de conserver cette approche critique et analytique envers tous les objets d’étude.

Bibliographie :

Jonathan Culler, The literary in Theory, California, Stanford University Press, coll. « Cultural Memory in the Present », 2007.

Armand Mattelart et Erik Neveu, Introduction aux Cultural Studies, Paris, La Découverte, 2003.

Max Weber, La domination, éditions La Découverte, traduction Isabelle Kalinowski, 2014.

[1] Ma traduction, je souligne.

Séminaire culturaliste : Dominations. Deuxième séance

Mardi 8 décembre aura lieu la deuxième séance du séminaire « Dominations », à l’amphithéâtre de la MSH à l’Université de Bourgogne.

Anne Debrosse (université Paris IV) : 2500 ans dans la vie d’un groupe de femmes.

Sylvie Laigneau-Fontaine (Université de Bourgogne) : « De la domination de la femme à la domination de l’élégie  : une révolution élégiaque ? »

Venez nombreux !