C’est une expérience exceptionnelle que nous ont offerte Sophie Rabau, de l’Université Paris 3, et la chanteuse lyrique mezzo-soprano Marianne Seleskovitch, à l’amphithéâtre de la MSH de l’Université de Dijon pour cette nouvelle séance du séminaire culturaliste de l’axe LmM du CPTC. Sous la forme d’une conférence-performance avec participation active du public, le duo virtuose a livré une exégèse inédite de la habanera (« Prends-garde à toi… ») de la Carmen de Bizet (1875), un des airs les plus connus et les plus entêtants de l’opéra.
Si
l’on ne prend pas garde aux instruments de musique, aux objets
bigarrés, aux costumes et aux accessoires étalés sur la table
derrière les deux intervenantes, tout semble commencer par un
commentaire littéraire en bonne et due forme du texte écrit par les
librettistes Henri Meilhac et Ludovic Halévy. Sophie Rabau démontre
comment, dans ce texte, la femme singulière – la bohémienne –
ne fait qu’un avec la figure allégorique de l’Amour. Parler de
Carmen, c’est parler de l’amour, et inversement. Comment alors ne
pas s’inquiéter, lorsqu’on aime à la fois l’amour et la
savante en amour, la spécialiste des lois universelles de l’amour ?
Comment ne pas prendre garde à soi, si l’on est épris de Carmen,
l’érotique et l’érotologue Carmen ? Car c’est bien à
José, l’amant, que s’adresse la mise en garde. Et pourtant,
c’est elle qui meurt d’un
coup de poignard à la fin de l’histoire. La liberté (mais quelle
liberté?) de Carmen dérange : il faut la contrôler, par tous
les moyens. En la tuant, en la mariant, en l’enfermant ? Mais
Carmen au couvent, c’est un peu Sister Act : elle
serait bien capable de carméniser les carmélites !…
Finalement, la meilleure solution pour contrôler et enfermer Carmen n’était-elle pas de faire d’elle… un tube ? Le rythme de la habanera, ostinato obsessionnel, est très simple. Il est resserré, corseté, au demi-ton près. C’est bien le propre du tube : il est à tout le monde, tout le monde le connaît, tout le monde se l’approprie, et tout le monde le chante faux. On attend de la chanteuse qui l’interprète un sourire, une impression de liberté, d’allégresse, de facilité. Avec humour et brio, Marianne Seleskovitch nous prouve cependant combien l’exercice est difficile et contraignant, comme les pointes de la danseuse. D’ailleurs, à bien y regarder, les paroles de cet air entraînant comme une chanson de variété ne sont pas si joyeuses. Elles contiennent une menace. Carmen aurait-elle dans la bouche le discours d’un autre, le discours d’un homme ? Chez Mérimée, nous n’avons pas accès aux pensées de la bohémienne. Un homme raconte à un autre ses mésaventures. Une femme ose lui résister, et revendique sa liberté amoureuse et sexuelle. Le propre du tube, c’est d’hypnotiser : est-ce vraiment José qui est ensorcelé par la dangereuse séductrice, ou le lecteur de Carmen, hypnotisé par l’impression de mécanique implacable et de destinée qui se déroule sous ses yeux ? En fin de parcours – de spectacle – surgissent de nouvelles surprises, et une nouvelle hypothèse subversive : et si le tube était aussi le moyen de libérer Carmen ? Si un tube est fait pour être repris et déformé à l’infini, rien n’interdit de le réécrire. Qu’est-ce qui empêche, après tout, de chanter Carmen à l’envers ?
Entre
chant, saynètes, morceaux de hautbois et improvisations comiques,
Sophie Rabau et Marianne Seleskovitch interrogent le mythe tragique
de la femme fatale dans une relecture politique, féministe et
jubilatoire de l’œuvre.
À
lire pour en savoir plus sur le carmensplaining et sur
diverses façons de sauver Carmen :
Sophie
Rabau, Carmen, pour changer, Anacharsis, 2017.
Ce samedi 30 mars, Henri Garric participera au colloque “L’Imperfection dans la littérature et les arts” qui a lieu à l’université de Rouen. Et il parlera de Boulet, notamment de ses “Dossiers de la honte”. Venez nombreux et nombreuses !
Jeudi 14 mars aura lieu de 14 h à 17 h la prochaine séance du séminaire culturaliste de l’axe LmM du CPTC. Nous y accueillerons Sophie Rabau (Université Paris III) qui nous parlerons de Carmen : “Surprise de Carmen : conversation avec mezzo-soprano et habaner-ah !”. Cette séance donnera lieu à une performance avec la mezzo-soprano Mariane Seleskovitch.
Nous vous attendons nombreuses et nombreux à l’Amphithéâtre de la MSH Université de Dijon !
Une nouveauté, une découverte. C’est la
première fois que je me rendais à Gérardmer et à son festival du film
fantastique. Et force est de constater que le festival se mérite ! Neige,
froid, route verglacée. La première recommandation est de bien se couvrir et de
ne pas oublier que vous allez au cœur des Vosges… Dans cette ambiance hivernale
(qui nous a bien déconcertée en cette période précocement printanière que nous
vivions à Dijon), tout était réuni pour créer un climat propice à l’esprit du
festival (brume et nuit noire assez inquiétante aux abords du célèbre lac) et
faire durer ainsi l’atmosphère fantastique que nous étions venu chercher dans
les salles obscures.
La riche programmation comprenait dix
longs-métrages en compétition, cinq courts-métrages en compétition et douze
longs-métrages hors compétition, mais aussi deux « Nuits blanches »
et trois films de l’histoire du genre en séance culte (La Rose écorchée de Claude Mulot, Maniac de William Lustig et Le
Renne blanc de Erik Blomberg). Il y avait donc largement de quoi faire en
deux jours avec le « pass week-end ». Bien évidemment, je suis loin
d’avoir tout vu et ai dû faire des choix, liés à des impressions lors de la
lecture des synopsis et au bouche à oreille, mais aussi à la
programmation.
Que retenir de ce visionnage boulimique de
48h ? D’abord, comme un grand nombre d’autres spectateurs·rices,
qu’aucun film ne s’est vraiment distingué dans la compétition longs-métrages.
Les délibérations du jury, présidé cette année par Gustave Kervern et Benoît
Delépine, ont d’ailleurs, semble-t-il, été longues, sans qu’aucun film ne fasse
vraiment l’unanimité pour l’ensemble de ses membres. Finalement, c’est Puppet Master: The Littlest Reich, film
américain de Sonny Laguna et Tommy Wiklund qui a remporté le grand prix. Pas
d’inquiétante étrangeté ici (comme finalement très peu à travers la
programmation d’ensemble de ce cru 2019) ; nous étions au contraire dans
un univers surchargé d’hémoglobine, mais à l’esprit ouvertement parodique.
Commandées depuis le tombeau d’Andre Toulon, un ancien Nazi émigré aux
Etats-Unis après la guerre, des poupées diaboliques vont s’animer une nuit dans
une petite ville américaine à l’occasion de la commémoration du 30ème
anniversaire de la mort du terrible Toulon. Dans l’hôtel où se trouvent
rassemblés les touristes venus assister à la commémoration (et par ailleurs
possesseurs et vendeurs de ces « puppets » à la vente aux enchères
qui doit avoir lieu sur place), les faux jouets vont disparaître
mystérieusement avant de s’animer, de semer la panique et de faire un carnage
parmi les clients et les employés de l’hôtel. Dans la lignée des films de
poupées et de figurines horrifiques très célèbres, de Gremlins à Chucky,
les Puppets s’inscrivent aussi
dans une franchise, et donc dans la suite directe du film Puppet Master, premier opus de la série, réalisé il y a tout juste
trente ans (1989) par David Schmoeller. Devenu culte dans l’univers du film de
genre, Puppet Master a engendré une
multitude de suites, dont Puppet Master:
The Littlest Reich est le… 13ème opus ! Mais comme un autre
très célèbre film d’horreur (le Halloween
de John Carpenter, 1978) ayant eu droit à une énième suite très récemment (le Halloween de David Gordon Green dans nos
salles françaises fin 2018), le Puppet
Master de 2018 revient au film d’origine et fait fi des suites réalisées
entre-temps. Quoi qu’il en soit, tout y est prétexte à régaler l’amateur·rice de
séquences gore. Les poupées font preuve d’une inventivité à chaque fois
renouvelée pour mettre à mort leur nouvelle victime et le film se construit
dans la surenchère et dans la recherche de l’effet de surprise permanent. En ce
samedi 2 février à 20h, dans une salle pleine à craquer de geeks en quête de scènes sanguinolentes à la drôlerie revendiquée, il
faut bien reconnaître que la séance fut un véritable triomphe. Mais dans votre
salon, en solitaire devant votre téléviseur ou votre ordinateur, le film fera
peut-être moins son effet. Beaucoup de connaisseurs·ses de
la franchise disent déjà qu’il n’arrive pas à la cheville du premier opus et
qu’il s’agit là d’une suite bien décevante et inutile. A vous de vous faire
votre opinion donc. En ce qui me concerne et en tant que piètre connaisseuse de
la franchise qui n’ai vu aucun autre Puppet
Master, j’ai trouvé le film sympathique parce que sans prétention et bien
aidé, encore une fois, par l’ambiance de feu qui régnait dans la salle. Mais
au-delà, un de ses atouts majeurs, qui faisait trépigner les fans d’impatience,
était la présence au générique du grand acteur Udo Kier dans le rôle d’Andre
Toulon himself. Dans une scène
d’ouverture située en amont de l’intrigue principale du film, alors que le
personnage est encore vivant, Udo Kier nous fait la primeur d’une nouvelle
apparition maléfiquement ambiguë comme lui seul en a le secret. Et cerise sur
le gâteau, le festival lui rendait ce soir-là hommage juste avant la
projection. Présent pour l’occasion, son discours, vivant, drôle, spontané et
plein d’anecdotes de tournage, a enthousiasmé les spectateurs·rices
et favorablement conditionné tout le public pour le film qui allait suivre. Ne
serait-ce que pour l’acteur allemand à la filmographie monumentale, de ses
rôles de Dracula ou Frankenstein à ceux qu’il tint chez Fassbinder ou Lars Von
Trier en passant par celui de Frank Mandel dans l’inoubliable Suspiria de Dario Argento, le film
valait la peine d’être vu.
Pour le reste de la sélection des
longs-métrages en compétition, rien qui n’ait vraiment retenu notre attention
(en sachant que je n’ai vu ni Aniara,
ni The Unthinkable, tous deux prix du
jury ex-aequo). Un mot peut-être quand même de Endzeit de Carolina Hellsgård,
film de zombies allemand post-apocalyptique qui suit le parcours d’une jeune
fille qui a fui Weimar et se retrouve en pleine nature soumise à tous les
dangers. On aurait pu s’attendre à des attaques multiples et répétées de
zombies, précédées de toute la panoplie des effets classiques pour faire
sursauter le spectateur·rice. Rien de cela. Le film, au
rythme lent, prend le temps d’accompagner son héroïne et de construire son
personnage sans jamais vraiment chercher à faire peur. Evidemment, c’est un peu
paradoxal dans un tel festival et une grande majorité du public était
d’ailleurs très déçue (« un zombie toute les demi-heures, c’est bon !
Et pis, il se passe rien ! »). Pourtant, j’ai apprécié. Est-ce mon
goût prononcé pour les films contemplatifs ? Je trouvais qu’il y avait là
un certain charme à utiliser le film de genre pour finalement suivre une toute
autre voie et proposer une réflexion mélancolique sur une jeunesse perdue.
Certes, le discours écologique présent en filigrane n’est ni nouveau ni très
original (la planète va mal et il faut réagir d’urgence si nous ne voulons pas
finir comme ça), mais le film ouvrait d’autres pistes d’analyse et surtout, le
faisait avec beaucoup d’élégance, dans une mise en scène soignée.
Du côté de la compétition des
courts-métrages, un constat s’est vite imposé. Sur les cinq film présentés, quatre
se passaient en pleine campagne et faisaient de celle-ci un cadre inquiétant,
espace lié à toutes les perversions possibles. C’était très net dans Pleine campagne de Pierre Mouchet et
surtout dans Diversion de Mathieu
Mégemont (par ailleurs vainqueur de la compétition et grand prix du
court-métrage) où un homme se retrouve pris au piège d’une communauté
villageoise dégénérée. Non sans humour, le réalisateur reprend une thématique
célèbre du film d’horreur, celle du territoire malsain (on pense à un certain Massacre à la tronçonneuse…), mais la
transpose dans la campagne française.
Les longs-métrages hors compétition n’ont
pas non plus donné lieu à de grandes révélations, même si Mandy de Panos Cosmatos avec Nicolas Cage (que je n’ai pas pu voir)
sortait apparemment du lot. Trois films étaient clairement à classer dans la
catégorie « frissons », mais tous trois reprenaient des intrigues,
des lieux et des motifs classiques et le faisaient sans grande
originalité : Dawn a Dark Hall (Blackwood, le pensionnat) de Rodrigo
Cortés d’abord, sur des jeunes filles prises au piège d’une école maléfique (un
manoir isolé en plein campagne) dirigée par une sorcière prête à tout (Uma
Thurman, qui ne fait pas dans la demi-mesure…) ; Mermaid le lac des âmes perdues, film russe de Svyatoslav Podgayevskiy,
qui reprend pour sa part le motif de la sirène et de la femme fatale (eh oui,
encore et toujours…) dans un décor de studio (le lac en question) qui renvoie à
l’univers du conte noir ; Ghost
House de Rich Ragsdale enfin, dont le titre est finalement assez trompeur
car l’intrigue se passe en Thaïlande et la maison aux esprits ne renvoie pas à
la traditionnelle maison hantée, mais à un site sacré que l’héroïne profane
sans le savoir, réveillant ainsi une force surnaturelle maléfique. Mais les
références majeures présentes dans ce dernier film, de Ring à L’Exorciste, sont
davantage de l’ordre de l’imitation que de l’hommage citationnel.
Reste pour terminer l’un des longs-métrages
présentés lors d’une séance culte : La
Rose écorchée de Claude Mulot (1970). Ce film français est une rareté et un
sommet du kitsch pour nous, spectateurs·rices de 2019. Frédéric,
célèbre peintre au succès retentissant et don juan notoire, tombe éperdument
amoureux de Anne, qu’il épouse. Mais son ancienne maîtresse, Moira, se venge et
pousse Anne dans un bûcher qui la défigure. Réécriture avouée de Les Yeux sans visage de Georges Franju
(1960), le film reste très en-dessous de son modèle. D’abord parce qu’il a très
mal vieilli et que les rires qu’il a suscités pendant la projection n’étaient
pas recherchés ; ensuite parce qu’il accumule les stéréotypes à la fois dans
les décors (le château où vivent Anne et Frédéric n’est que ruines à
l’extérieur, donnant lieu à des scènes que le roman gothique anglais n’aurait
pas renié) et dans les plans (par exemple le souvenir heureux du mélancolique
Frédéric qui voit sa femme au temps de sa splendeur courir au ralenti dans un
champ en fleurs baigné de soleil). Je vous laisse découvrir les autres savoureuses
trouvailles de ce film dont je semble me moquer mais qui était aussi très
plaisant, à la fois malgré et en raison de ses hommages prononcés au gothique
et au fantastique. Et vous conviendrez pour finir qu’un film avec à la fois
Anny Duperey dans le rôle-titre et Elizabeth Teissier dans celui de la
maîtresse abandonnée, ce n’est pas tous les jours qu’on en voit…
Colloque
international – Pif le chien,
histoire, politique, esthétique : regards croisés
Université
de Bourgogne Amphithéâtre de la MSH de Dijon
8-9
octobre 2019
Le projet PIFERAI (Pif dans
tous ses états : recherches, archives, interdisciplinarité) a permis de
mener à bien, durant l’automne 2018, la numérisation complète des strips de Pif le chien parus dans L’Humanité
de 1948 à 1968. Un premier groupe de chercheur·euse·s, rassemblant des
historien·ne·s, des littéraires, des historien·ne·s de l’art, des sociologues, a
déjà proposé une approche analytique complète de ce corpus, croisant les interrogations esthétiques, historiques et
politiques. Il s’agissait à la fois d’évaluer le langage esthétique spécifique
des strips composant les Aventures de Pif le chien (la mécanique
du gag, l’usage de la saisonnalité, la technique du dessin, la représentation
anthropomorphe des personnages, la conscience réflexive de ces principes
esthétiques) et de comprendre les impacts de ce langage sur les enjeux
politiques et sociologiques qui se font jour : quel statut de l’enfance
dans ce médium destiné à des lecteur·rice·s mineur·e·s ? quelle représentation de la famille
nucléaire ? quelle représentation de ses loisirs et de ses
pratiques ? quelle présence de l’actualité et de la politique dans un
contexte fictif et imaginaire ?
L’ouverture
de ces travaux à un groupe plus large de chercheur·euse·s prétend compléter
cette première approche, essentiellement interne, du corpus à une approche plus
large et plus complète. Un travail d’analyse externe est à mener. On attend
notamment des propositions :
sur le destin éditorial de Pif le chien. Initialement édités dans L’Humanité, les strips ont
en effet été repris sous diverses formes, dans la revue Vaillant, à partir de 1948, revue devenue Vaillant, le journal de Pif, à partir de 1966, puis dans la revue Pif gadget, à partir de 1969 ;
parallèlement, les strips ont été
repris en volume dans Les Aventures de
Pif, ainsi que dans L’Almanach de
l’Humanité (ces deux corpus ont
en partie été numérisés lors du projet PIFERAI). La place des strips dans ces nouveaux supports
médiatiques pourra être interrogée. De même, une approche plus historique de
ces éditions – choix économiques, acteurs impliqués, etc. – pourra être
proposée. On pourra en particulier étudier, d’un point de vue historique, les
interactions entre la rédaction de L’Humanité,
celle de Vaillant, et le milieu
politique du Parti Communiste Français.
sur les modèles esthétiques actualisés par Pif le chien. Les modèles de José
Cabrero Arnal ont déjà été évoqués, mais une enquête plus complète est
nécessaire : comment le dessinateur et ses successeurs utilisent-ils la
tradition américaine du family strip ?
quelle connaissance et quel usage ont-ils de la bande dessinée comique
animalière américaine et française ? quelle utilisation en particulier
est-il fait du modèle disneyen (on a noté en particulier l’utilisation de
la structure des Silly Symphonies,
avec l’usage des rimes de mirliton, ou l’usage du dessin animalier) ? Quelle
importance du milieu de la presse espagnole, dont José Cabrero Arnal est
issu ?
sur les interactions de Pif avec le milieu de la bande dessinée française et belge dans les
années 1950 et 1960 : comment la création bédéique de cette époque
s’inspire-t-elle du modèle pifien ? Quel héritage de Pif dans la bande dessinée après 1969 ?
sur les transferts et circulations : il
s’agirait non seulement de travailler sur les origines de Pif mais aussi sur lesreprises
de Pif en URSS ou dans les
démocraties populaires.
sur le bain culturel dont se nourrit Pif : on a noté les multiples
citations de chansons dans les dialogues du strip.
Plus largement, on pourra réfléchir à toutes les références culturelles que Pif convoque, aux manipulations qu’il
leur impose, à l’usage esthétique par lequel elles les détourne.
Sur la diffusion de Pif : diffusion militante et abonnements. Comment le PCF
organise-t-il la distribution et la promotion de Pif.
sur la réception : Pif a connu un immense succès, non seulement dans le milieu des
communistes français, mais de façon plus large dans l’ensemble de la jeunesse
des années 1960 puis 1970. Il a en conséquence été l’objet de réécriture, de
caricature, de représentations diverses. Leur étude pourra être complétée par
une étude des produits dérivés nombreux qu’il a suscités (jouets, jeux,
affiches, verres, tasses, etc.) : Pif
joue un rôle essentiel dans la culture matérielle des années 1950 et 1960.
sur les contenus politiques et historique :
on pourra ajouter aux études déjà menées (allusions politiques, vie dans le
pavillonnaire petit-bourgeois, jeux et activités enfantines, relations familiales,
loisirs et activités sportives) des études portant sur la culture matérielle
mise en scène dans les strips
(représentation de la nourriture, représentation du travail, formes des
pratiques culturelles).
Précision
importante : notre travail porte essentiellement sur Pif le chien de 1948 à 1969, donc pas sur Pif gadget. Des interventions proposant des ouvertures ponctuelles
pourront être acceptées, mais pas des interventions portant seulement sur
l’époque Pif gadget.
Les
propositions devront être adressées avant le 15 mai 2019 à :
La semaine prochaine, le CentreInterlangue TIL organise à l’Université de Bourgogne , à l’Amphithéâtre de la MSH, un colloque consacré notamment à la BD Reportage. On y entendra plusieurs chercheurs importants dans le domaine de la bande dessinée (Jan Baetens, Pierre Fresnault-Deruelle, Jean-Paul Gabilliet, Laurent Gerbier, Philippe Marion). Henri Garric y interviendra, sur la place des reportages comiques dans La Revue dessinée. Venez nombreux·ses !
C’est dans deux semaines mais l’événement est suffisamment important pour qu’on en fasse la publicité dès maintenant : le 14 février, amphithéâtre de la MSH de Dijon, une belle journée d’étude co-organisée par l’axe LmM du CPTC et par le Centre Interlangues TIL :
Vous avez manqué la séance Fabcaro et vous vous en mordez les doigts !
Eh bien, exceptionnellement, vous avez droit à un rattrapage : l’entretien a été enregistré sur radio campus Dijon. Il s’agit de l’émission du 14/12/2018 à 16 heures. Bonne écoute !
Journée d’études : PIFERAI (Pif, dans tous ses états : recherches, archives, interdisciplinarité)
Vendredi 21 Décembre 2018, 10:00 – 17:00
Pour Noël, l’axe LmM s’associe aux historiens pour une première exploration de l’univers de Pif le Chien. Venez nombreux et nombreuses pour cette dernière journée de l’année !
Organisateurs : Henri Garric (CPTC, uB) et Jean Vigreux (CGC UMR CNRS uB 7366)
Au début de la Guerre froide (en 1948) Jose Cabrero Arnal (qui signe
Claude Arnal), républicain espagnol exilé qui revient du camp de
concentration de Mathausen (libéré le 5 mai 1945) crée pour l’Humanité un feuilleton dessiné, Pif le Chien. Les pages paraissent aussi bien dansl’Humanité que l’Humanité-Dimanche ; il est aussi publié dans Vaillant. Mais
« Pif le chien », est aussi repris par d’autres dessinateurs, selon une
logique sérielle commune aux héros de bande dessinée d’après-guerre
(Spirou, notamment) : c’est l’esprit d’équipe et la logique éditoriale
de Vaillant qui priment.
L’approche pluridisciplinaire se propose d’analyser le corpus numérisé des strips de Pif le chien
aussi bien dans sa dimension formelle (construction des planches,
articulation textes/images) que thématique. Il s’agira de voir comment
une bande dessinée héritée de la bande dessinée familiale des années
1920-1930 (en France et aux Etats-Unis : family strip) articule
l’adresse à un public enfantin (caractérisée par l’usage du dessin
anthropomorphique et la logique du gag) à la volonté d’éducation
populaire et politique. Au sein des thèmes on retiendra la culture de
Guerre froide, mais aussi des sujets graves (manque de nourriture,
logement, problèmes des classes et des disparitions des richesses, sans
oublier les loisirs de masse comme le Tour de France, etc.). Le projet
articule ainsi une réflexion esthétique et sociale sur la place des arts
mineurs dans la culture contemporaine avec une approche de sociologie
historique et politique.
Programme :10 h 00 – Accueil : Henri Garric et Jean Vigreux
Henri Garric : Usages du gag dans « Pif le chien » Emmanuelle Rougé : La relation enfant-animal dans « Pif le chien » Vincent Chambarlhac : Pif peintre : quelle peinture à l’heure où New-York vole l’idée d’art moderne ? Bertrand Tillier : Pif, chien anthropomorpheTable-ronde : « Pif le chien » et le strip comique dans la France d’après-guerre
13 h 30 :Jean Vigreux : Un peu de politique dans « Pif le chien » ?
Jessica Kohn : Le pavillon de Pif : la mise en scène du confort des Trente Glorieuses
Sébastien Laffage-Cosnier, Lucas Profillet, Christian Vivier : « Pif le chien » sportif : un reflet des représentations des activités corporelles des Trente Glorieuses ? Étude exploratoire
Irène Leroy-Ladurie : Pif, de père en fils : l’intimité d’un chien Table-ronde : Société et politique dans « Pif le chien »
Entrée libre, gratuite, sans inscription, dans la limite des places disponibles
Jeudi 13 décembre, le séminaire culturaliste propose une séance exceptionnelle. Dans le cadre d’une réflexion sur les rapports entre bande dessinée et chanson, nous recevrons en effet le dessinateur Fabcaro, auteur d’albums qui ont connu un vif succès ces dernières années : Zaï zaï zaï (6 pieds sous terre éditions, 2016), Moins qu’hier (plus que demain) (Glénat, 2018).
Demain matin, Irène Leroy-Ladurie et Henri Garric participent au colloque “Gestes et bande dessinée” qui se tient à l’auditorium du Musée de la bande dessinée. D’un côté, apprentissage du geste chez Bastien Vivès, de l’autre, doigts d’honneur et rire.
Gabriel
Tremblay-Gaudette : “Parler vrai pour les vraies têtes”
(Real Talk for the True Heads) : identités linguistiques et
culturelles dans le Hip-Hop québécois
Gabriel
Tremblay-Gaudette (Université Paris 8, Labex ARTS-H2H) dresse un
panorama du rap québécois grâce à des analyses de paroles et de
clips, en montrant comment la question de l’authenticité est au cœur
de la performativité dans le rap et le hip-hop. Il commence par
souligner qu’à l’origine, les termes de « rap » et de
« hip hop » ne désignent pas tout à fait la même
chose. Mouvement culturel du début des années soixante-dix, le hip
hop réunit quatre éléments : le rap, le graffiti (street
art), la danse, la musique. Après
avoir livré une brève histoire du Québec et de ses mouvements
indépendantistes, Gabriel Tremblay-Gaudette nous (re)plonge dans les
débuts du hip hop dans le Bronx des années soixante-dix, pour
rappeler que le mouvement a d’abord consisté en des party
blocs, des célébrations joyeuses où
la danse et la musique étaient au centre et où le rap n’occupait
pas encore le devant de la scène. Les DJ, inspirés par le dancehall
jamaïcain, enchaînaient les pièces musicales de funk
et de soul,
tandis que les animateurs – les « MC » – assuraient
l’ambiance durant les pauses entre chaque DJ. En 1979, le premier
enregistrement commercial d’un morceau de hip hop, “Rapper’s
Delight” du groupe états-unien The Sugarhill Gang, rencontre un
grand succès et contribue à populariser le genre musical. C’est
aussi le début des clips.
À la suite de ce hip
hop dansant et festif, que l’on peut interpréter comme une manière
de fuir la dure réalité du ghetto, naissent le rap conscient, qui
consiste à raconter et dénoncer cette réalité (notamment avec le
groupe Grandmaster Flash and the Furious Five),
puis le gangsta rap à
partir de 1988, avec des artistes qui se revendiquent criminels. La
fin des années quatre-vingt-dix voit le début du bling
rap,
dans lequel les artistes se vantent de leur succès et de leur
argent. Ce type de rap commercial, qui exalte un mode de vie basé
sur le luxe et la « frime », entre en tension avec le
reste du mouvement hip hop, bien qu’il soit moins prégnant au Québec
où le marché est beaucoup plus petit qu’aux États-Unis. Il est à
noter que les influences françaises comme MC Solaar et IAM font
l’effet d’une véritable révélation au Québec, montrant qu’il est
possible de faire du rap de qualité en français.
La valeur cardinale du hip hop est l’authenticité : bien qu’un
rappeur soit plus crédible s’il est issu du ghetto, s’il est racisé,
s’il prend de la drogue, est impliqué dans des bagarres, apparaît
comme violent et se conduit comme un mâle alpha hétérosexuel,
l’important est avant tout l’adéquation entre le personnage que le
rappeur se construit et sa réalité biographique.
Quelques
chansons jalonnent les débuts du rap québecois, après une première
phase au cours de laquelle le rap n’est pas pris au sérieux au
Québec ou seulement sur le mode parodique. « MRF est arrivé »,
du groupe Mouvement Rap Francophone, est la première chanson de rap
québecois. La fleur de lys, symbole national, apparaît dans le
clip, transformée en coup de poing. Les termes en anglais de la
chanson concernent essentiellement le vocabulaire en lien avec la
pratique du hip hop. Les rimes sont très faibles et la prosodie
bancale. Les paroles sont très circonstanciées, faisant surtout
référence à la culture populaire québécoise, ce qui explique
également que la chanson ait mal vieilli. Elle s’inscrit dans le
party style.
Le clip montre des gens qui dansent, la figure du DJ est centrale. Il
porte un couvre-chef de raton-laveur, stéréotype du québécois, et
s’entoure de danseurs noirs, peut-être pour légitimer sa place dans
le hip hop. Ce morceau n’a eu qu’une petite diffusion.
En
1996, le groupe KC LMOP commet la (très mauvaise) chanson « Ta
Yeul », qui connaît un énorme succès, aussi éphémère que
surprenant. Elle s’inscrit dans le gangsta
rap,
mais sage et réformé. Le clip témoigne d’un mélange des
influences : on y voit une casquette au logo des Yankees de New
York et un maillot de l’équipe de Montréal. La séquence parlée
(le skit)
montre qu’ils connaissent les codes du hip hop, avec des efforts
prosodiques (flow)
plus soutenus malgré des paroles accablantes. Le discours porte
essentiellement sur les minorités, et sur l’aspiration à une vie
tranquille dans une banlieue huppée calme et familiale.
Dans
la deuxième moitié des années quatre-vingt-dix, quelques groupes
percent, mais se caractérisent par un manque d’authenticité,
notamment à cause de leur accent français, qui va parfois jusqu’à
l’imitation d’un faux accent français. Les choses changent
véritablement avec l’arrivée du « vrai » rap québecois,
avec les groupes Muzion dans le genre du rap conscient et Sans
Pression, groupe à cheval entre les trois genres. À mi-chemin entre
les tendances du gangsta rap
et du rap conscient, « L’étage souterrain » de Sans
Pression (2000) présente un rap sans accent français, des paroles
pas « polies », un clip plus ambitieux, mais amateur sur
le plan visuel. L’attitude et la gestuelle des rappeurs y sont plus
querelleuses, hostiles. Les paroles mêlent le joual et le franglais.
Le joual (« cheval »), sociolecte du français québécois
issu de la culture populaire urbaine, désigne l’évolution de la
langue québecoise sous l’influence de l’anglais, avec de nombreux
termes amalgamés. Il s’agit d’une forme de créolisation lexicale et
phonétique entre le français et l’anglais. Le dramaturge Michel
Tremblay a commencé à utiliser le joual dans ses pièces, ainsi que
de plus en plus d’auteurs dans les années soixante et soixante-dix,
ce qui a contribué à le codifier à l’écrit et à ne plus
considérer le joual comme une déformation bâtarde du français.
Avec « L’étage souterrain », Sans Pression prend le
parti d’assumer les réalités linguistiques du Québec, grâce au
joual mais aussi grâce à la présence de Ti-Kid, un membre Haïtien
qui rappe en créole. Plus tard, on note une évolution dans le style
de Sans Pression, qui délaisse le côté guerrier et gangsta
pour endosser un rôle de révélateur et d’éducateur en abordant
les problèmes sociaux, non seulement ceux du ghetto, mais aussi ceux
qui concernent la société dans son ensemble, comme par exemple les
violences conjugales, y compris dans le milieu bourgeois.
En
parallèle, le groupe Loco Locass affiche un discours très politisé
et indépendantiste, qui revendique l’identité québecoise. Ils
partent cependant avec un désavantage dans la mesure où le groupe,
constitué de rappeurs blancs perçus comme bourgeois, n’est pas
associé à l’idée d’authenticité. Leur diction et à leur prosodie
très correctes, leur performance assez épurée ne correspondent pas
à ce qui est en vogue à ce moment-là. Ils sont rejetés par le
mouvement hip hop, qui vit mal leur grand succès et les prix
musicaux remportés dans leur catégorie.
Un
autre groupe émerge, Manu Militari, avec « L’empreinte »
(2006). La langue est plus travaillée. L’identité québécoise est
assumée. Le clip s’incarne et s’inscrit dans un espace. Filant la
métaphore du graffiti, les paroles parlent d’une jeunesse mal
comprise et qui veut s’exprimer et exprimer sa culture, mais qui n’a
pas de place pour le faire. Le discours est militant, voire
militaire, avec l’image d’une armée de plus en plus importante qui
va taguer les murs dans les rues la nuit. Sans appartenir tout à
fait au genre du gangsta rap,
la chanson s’inscrit dans le mouvement hip hop.
En
2008, le groupe Radio Radio se distingue avec son accent acadien de
Nouvelle-Écosse, son esprit loufoque et décalé et ses sonorités
électro peu usitées à cette époque dans le hip hop. Le clip de la
chanson « Cliché hot » est tourné dans un petit
restaurant en totale opposition avec les ambiances « bling
bling » ou les scènes de rue des clips de rap habituels.
Gabriel Tremblay-Gaudette explique les inimitiés, les polémiques et
les altercations qui ont éclaté entre Radio Radio et Manu Militari,
notamment à l’occasion de la remise du Félix du meilleur album hip
hop en 2010.
En
2010 également, la chanson « Saint-Eustache » du groupe
Koriass situe son décor dans une petite banlieue de Montréal de la
classe moyenne populaire, surtout connue pour son marché aux puces.
Koriass assume cette localisation et affirme que le hip hop peut y
exister. Il se définit par la négative en énumérant tout ce qu’il
n’est pas. Il assume son incapacité à se présenter comme un
rappeur « bling bling ». Il se décrit plutôt comme un
« party rappeur », qui répand la joie dans le marché
aux puces. Il a réinventé ses identités multiples au fil des
albums.
Gabriel
Tremblay-Gaudette clôt son intervention avec deux groupes actuels.
Loud Lary Ajust s’exprime dans une forme de franglais qui
n’est pas le joual mais qui consiste à passer du français à
l’anglais très vite, un mot, une phrase après l’autre. Loud a une
carrière solo en France. Enfin, le groupe Alaclair Ensemble propose
un rap très actuel, dont le style a beaucoup évolué en fonction
des tendances. Fait intéressant, ils publient sur leur site les
paroles de leurs chansons avec le pourcentage de mots en français et
en anglais, comme s’il leur tenait à cœur de montrer qu’ils font
bien du rap francophone, même si ce n’est pas évident à
l’oreille. Leur clip évoque un imaginaire visuel très québécois,
dans la neige et le froid. Ils pratiquent une forme de bilinguisme :
en effet, la chanson est sous-titrée pour le public français comme
pour montrer qu’ils sont tout à fait capables de traduire leurs
paroles et donc de rapper en français. L’évolution du style de
groupes comme Koriass ou Alaclair Ensemble prouve que la notion
d’authenticité peut prendre beaucoup plus de formes que dans le
passé.
Durant la
discussion avec le public, la réflexion s’oriente vers la rareté
des femmes rappeuses dans le hop hop, un milieu et une culture qui
tolèrent encore en grande partie, voire revendiquent, l’homophobie
et la misogynie. Les stratégies des femmes rappeuses sont
différentes. Certaines choisissent de parler des mêmes sujets que
leurs collègues masculins, en quelque sorte pour montrer qu’elles
sont tout autant capables de faire du hip hop. D’autres traitent des
problèmes spécifiques au fait d’être une femme dans le ghetto.
Sur
le hip hop, voir : Forman Murray, Neal Mark Anthony, That’s
the joint! : the hip-hop studies reader, New
York, Routledge, 2004.
Françoise
Salvan-Renucci (Université de Nice) : « chanteur de rock »
et « poète illusoire »: le projet artistique de
H.F. Thiéfaine et sa traduction dans le discours poétique et
musical de ses chansons
Membre
du CTEL, Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de
la Littérature et des Arts Vivants à l’Université Côte d’Azur
(Université Nice Sophia Antipolis), Françoise
Salvan-Renucci consacre depuis 2012 sa carrière au projet intitulé
« “inventaires dans [un] pandémonium” et “labyrinthe
aux couleurs d’arc-en-ciel”: essai d’analyse du discours
poétique et musical des chansons de H.F. Thiéfaine ». Sur le
site internet du projet, elle décrit ainsi sa démarche :
« La
démarche herméneutique vise à présenter une lecture « intégrale »
du corpus des chansons ainsi qu’à faire ressortir l’authenticité,
la densité et la richesse du discours poétique de l’auteur à
travers l’analyse de son fonctionnement et notamment du caractère
totalement organisé de l’écriture thiéfainienne, tel qu’il se
révèle lors de la description phénoménologique précise de ses
modalités d’agencement. »
https://www.fsalvanrenucci-projet-thiefaine.com/projet-et-travaux
Françoise
Salvan-Renucci nous a proposé une plongée érudite et foisonnante
dans les références démultipliées et la « fulguration
énigmatique » de l’écriture de Thiéfaine, une écriture qui
chérit le nonsense,
les farces, le jeu avec les différentes langues modernes et
antiques, et une intertextualité vertigineuse. Sa conférence est
disponible en intégralité sur sa chaîne Youtube :
Hubert-Félix
Thiéfaine se produira au Zénith de Dijon le 10 novembre 2018.
Pour préparer le concert d’Hubert-Félix Thiéfaine, l’axe LmM du CPTC organise une conférence de Françoise Salvan-Renucci. Venez nombreux et nombreuses !
Je sais que vous étiez inquiets et inquiètes et vous demandiez si la nouvelle année avait abandonné le principe des playlists. Certainement pas et même, pour la séance de jeudi prochain, les deux interventions proposent deux très belles playlists que vous aurez à coeur d’écouter attentivement avant de venir nous entendre :