Séminaire “Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin” – Saison 2 – Quatrième et dernière séance

Ce jeudi 11 avril se tiendra, de 14h à 17h, dans l’amphithéâtre de la MSH, la dernière séance du séminaire LmM sur la chanson.

Nous y entendrons Stéphane Hirschi (Université de Valenciennes) et Olivier Migliore (Université Paul Valéry – Montpellier) autour de l’intitulé suivant : « Le rap est-il une chanson ? »

En espérant vous y retrouver nombreuses et nombreux !

14 mars 2019 : Sophie Rabau (Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle) et Marianne Seleskovitch (chanteuse lyrique mezzo-soprano) : “Surprise de Carmen : conversation avec mezzo-soprano et habaner-ah!”

C’est une expérience exceptionnelle que nous ont offerte Sophie Rabau, de l’Université Paris 3, et la chanteuse lyrique mezzo-soprano Marianne Seleskovitch, à l’amphithéâtre de la MSH de l’Université de Dijon pour cette nouvelle séance du séminaire culturaliste de l’axe LmM du CPTC. Sous la forme d’une conférence-performance avec participation active du public, le duo virtuose a livré une exégèse inédite de la habanera (« Prends-garde à toi… ») de la Carmen de Bizet (1875), un des airs les plus connus et les plus entêtants de l’opéra.

Si l’on ne prend pas garde aux instruments de musique, aux objets bigarrés, aux costumes et aux accessoires étalés sur la table derrière les deux intervenantes, tout semble commencer par un commentaire littéraire en bonne et due forme du texte écrit par les librettistes Henri Meilhac et Ludovic Halévy. Sophie Rabau démontre comment, dans ce texte, la femme singulière – la bohémienne – ne fait qu’un avec la figure allégorique de l’Amour. Parler de Carmen, c’est parler de l’amour, et inversement. Comment alors ne pas s’inquiéter, lorsqu’on aime à la fois l’amour et la savante en amour, la spécialiste des lois universelles de l’amour ? Comment ne pas prendre garde à soi, si l’on est épris de Carmen, l’érotique et l’érotologue Carmen ? Car c’est bien à José, l’amant, que s’adresse la mise en garde. Et pourtant, c’est elle qui meurt d’un coup de poignard à la fin de l’histoire. La liberté (mais quelle liberté?) de Carmen dérange : il faut la contrôler, par tous les moyens. En la tuant, en la mariant, en l’enfermant ? Mais Carmen au couvent, c’est un peu Sister Act : elle serait bien capable de carméniser les carmélites !…

Finalement, la meilleure solution pour contrôler et enfermer Carmen n’était-elle pas de faire d’elle… un tube ? Le rythme de la habanera, ostinato obsessionnel, est très simple. Il est resserré, corseté, au demi-ton près. C’est bien le propre du tube : il est à tout le monde, tout le monde le connaît, tout le monde se l’approprie, et tout le monde le chante faux. On attend de la chanteuse qui l’interprète un sourire, une impression de liberté, d’allégresse, de facilité. Avec humour et brio, Marianne Seleskovitch nous prouve cependant combien l’exercice est difficile et contraignant, comme les pointes de la danseuse. D’ailleurs, à bien y regarder, les paroles de cet air entraînant comme une chanson de variété ne sont pas si joyeuses. Elles contiennent une menace. Carmen aurait-elle dans la bouche le discours d’un autre, le discours d’un homme ? Chez Mérimée, nous n’avons pas accès aux pensées de la bohémienne. Un homme raconte à un autre ses mésaventures. Une femme ose lui résister, et revendique sa liberté amoureuse et sexuelle. Le propre du tube, c’est d’hypnotiser : est-ce vraiment José qui est ensorcelé par la dangereuse séductrice, ou le lecteur de Carmen, hypnotisé par l’impression de mécanique implacable et de destinée qui se déroule sous ses yeux ? En fin de parcours – de spectacle – surgissent de nouvelles surprises, et une nouvelle hypothèse subversive : et si le tube était aussi le moyen de libérer Carmen ? Si un tube est fait pour être repris et déformé à l’infini, rien n’interdit de le réécrire. Qu’est-ce qui empêche, après tout, de chanter Carmen à l’envers ?

Entre chant, saynètes, morceaux de hautbois et improvisations comiques, Sophie Rabau et Marianne Seleskovitch interrogent le mythe tragique de la femme fatale dans une relecture politique, féministe et jubilatoire de l’œuvre.

À lire pour en savoir plus sur le carmensplaining et sur diverses façons de sauver Carmen :

Sophie Rabau, Carmen, pour changer, Anacharsis, 2017.

Sophie Rabau, « Carmen, le pistolet, le metteur en scène et le ministre ou Comment lire autrement ? », Les Possibles, n°16, printemps 2018. Article disponible en ligne : https://france.attac.org/nos-publications/les-possibles/numero-16-printemps-2018/dossier-le-s-feminisme-s-aujourd-hui/article/carmen-le-pistolet-le-metteur-en-scene-et-le-ministre-ou-comment-lire-autrement

Séminaire « Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin » Saison 2 – Troisième séance

Bonjour à toutes et à tous,

Jeudi 14 mars aura lieu de 14 h à 17 h la prochaine séance du séminaire culturaliste de l’axe LmM du CPTC. Nous y accueillerons Sophie Rabau (Université Paris III) qui nous parlerons de Carmen : “Surprise de Carmen : conversation avec mezzo-soprano et habaner-ah !”. Cette séance donnera lieu à une performance avec la mezzo-soprano Mariane Seleskovitch.

Nous vous attendons nombreuses et nombreux à l’Amphithéâtre de la MSH Université de Dijon !

Festival du film fantastique de Gérardmer (30 janvier – 3 février 2019)

Une nouveauté, une découverte. C’est la première fois que je me rendais à Gérardmer et à son festival du film fantastique. Et force est de constater que le festival se mérite ! Neige, froid, route verglacée. La première recommandation est de bien se couvrir et de ne pas oublier que vous allez au cœur des Vosges… Dans cette ambiance hivernale (qui nous a bien déconcertée en cette période précocement printanière que nous vivions à Dijon), tout était réuni pour créer un climat propice à l’esprit du festival (brume et nuit noire assez inquiétante aux abords du célèbre lac) et faire durer ainsi l’atmosphère fantastique que nous étions venu chercher dans les salles obscures.

La riche programmation comprenait dix longs-métrages en compétition, cinq courts-métrages en compétition et douze longs-métrages hors compétition, mais aussi deux « Nuits blanches » et trois films de l’histoire du genre en séance culte (La Rose écorchée de Claude Mulot, Maniac de William Lustig et Le Renne blanc de Erik Blomberg). Il y avait donc largement de quoi faire en deux jours avec le « pass week-end ». Bien évidemment, je suis loin d’avoir tout vu et ai dû faire des choix, liés à des impressions lors de la lecture des synopsis et au bouche à oreille, mais aussi à la programmation. 

Que retenir de ce visionnage boulimique de 48h ? D’abord, comme un grand nombre d’autres spectateurs·rices, qu’aucun film ne s’est vraiment distingué dans la compétition longs-métrages. Les délibérations du jury, présidé cette année par Gustave Kervern et Benoît Delépine, ont d’ailleurs, semble-t-il, été longues, sans qu’aucun film ne fasse vraiment l’unanimité pour l’ensemble de ses membres. Finalement, c’est Puppet Master: The Littlest Reich, film américain de Sonny Laguna et Tommy Wiklund qui a remporté le grand prix. Pas d’inquiétante étrangeté ici (comme finalement très peu à travers la programmation d’ensemble de ce cru 2019) ; nous étions au contraire dans un univers surchargé d’hémoglobine, mais à l’esprit ouvertement parodique. Commandées depuis le tombeau d’Andre Toulon, un ancien Nazi émigré aux Etats-Unis après la guerre, des poupées diaboliques vont s’animer une nuit dans une petite ville américaine à l’occasion de la commémoration du 30ème anniversaire de la mort du terrible Toulon. Dans l’hôtel où se trouvent rassemblés les touristes venus assister à la commémoration (et par ailleurs possesseurs et vendeurs de ces « puppets » à la vente aux enchères qui doit avoir lieu sur place), les faux jouets vont disparaître mystérieusement avant de s’animer, de semer la panique et de faire un carnage parmi les clients et les employés de l’hôtel. Dans la lignée des films de poupées et de figurines horrifiques très célèbres, de Gremlins à Chucky, les Puppets s’inscrivent aussi dans une franchise, et donc dans la suite directe du film Puppet Master, premier opus de la série, réalisé il y a tout juste trente ans (1989) par David Schmoeller. Devenu culte dans l’univers du film de genre, Puppet Master a engendré une multitude de suites, dont Puppet Master: The Littlest Reich est le… 13ème opus ! Mais comme un autre très célèbre film d’horreur (le Halloween de John Carpenter, 1978) ayant eu droit à une énième suite très récemment (le Halloween de David Gordon Green dans nos salles françaises fin 2018), le Puppet Master de 2018 revient au film d’origine et fait fi des suites réalisées entre-temps. Quoi qu’il en soit, tout y est prétexte à régaler l’amateur·rice de séquences gore. Les poupées font preuve d’une inventivité à chaque fois renouvelée pour mettre à mort leur nouvelle victime et le film se construit dans la surenchère et dans la recherche de l’effet de surprise permanent. En ce samedi 2 février à 20h, dans une salle pleine à craquer de geeks en quête de scènes sanguinolentes à la drôlerie revendiquée, il faut bien reconnaître que la séance fut un véritable triomphe. Mais dans votre salon, en solitaire devant votre téléviseur ou votre ordinateur, le film fera peut-être moins son effet. Beaucoup de connaisseurs·ses de la franchise disent déjà qu’il n’arrive pas à la cheville du premier opus et qu’il s’agit là d’une suite bien décevante et inutile. A vous de vous faire votre opinion donc. En ce qui me concerne et en tant que piètre connaisseuse de la franchise qui n’ai vu aucun autre Puppet Master, j’ai trouvé le film sympathique parce que sans prétention et bien aidé, encore une fois, par l’ambiance de feu qui régnait dans la salle. Mais au-delà, un de ses atouts majeurs, qui faisait trépigner les fans d’impatience, était la présence au générique du grand acteur Udo Kier dans le rôle d’Andre Toulon himself. Dans une scène d’ouverture située en amont de l’intrigue principale du film, alors que le personnage est encore vivant, Udo Kier nous fait la primeur d’une nouvelle apparition maléfiquement ambiguë comme lui seul en a le secret. Et cerise sur le gâteau, le festival lui rendait ce soir-là hommage juste avant la projection. Présent pour l’occasion, son discours, vivant, drôle, spontané et plein d’anecdotes de tournage, a enthousiasmé les spectateurs·rices et favorablement conditionné tout le public pour le film qui allait suivre. Ne serait-ce que pour l’acteur allemand à la filmographie monumentale, de ses rôles de Dracula ou Frankenstein à ceux qu’il tint chez Fassbinder ou Lars Von Trier en passant par celui de Frank Mandel dans l’inoubliable Suspiria de Dario Argento, le film valait la peine d’être vu.

Pour le reste de la sélection des longs-métrages en compétition, rien qui n’ait vraiment retenu notre attention (en sachant que je n’ai vu ni Aniara, ni The Unthinkable, tous deux prix du jury ex-aequo). Un mot peut-être quand même de Endzeit de Carolina Hellsgård, film de zombies allemand post-apocalyptique qui suit le parcours d’une jeune fille qui a fui Weimar et se retrouve en pleine nature soumise à tous les dangers. On aurait pu s’attendre à des attaques multiples et répétées de zombies, précédées de toute la panoplie des effets classiques pour faire sursauter le spectateur·rice. Rien de cela. Le film, au rythme lent, prend le temps d’accompagner son héroïne et de construire son personnage sans jamais vraiment chercher à faire peur. Evidemment, c’est un peu paradoxal dans un tel festival et une grande majorité du public était d’ailleurs très déçue (« un zombie toute les demi-heures, c’est bon ! Et pis, il se passe rien ! »). Pourtant, j’ai apprécié. Est-ce mon goût prononcé pour les films contemplatifs ? Je trouvais qu’il y avait là un certain charme à utiliser le film de genre pour finalement suivre une toute autre voie et proposer une réflexion mélancolique sur une jeunesse perdue. Certes, le discours écologique présent en filigrane n’est ni nouveau ni très original (la planète va mal et il faut réagir d’urgence si nous ne voulons pas finir comme ça), mais le film ouvrait d’autres pistes d’analyse et surtout, le faisait avec beaucoup d’élégance, dans une mise en scène soignée.

Du côté de la compétition des courts-métrages, un constat s’est vite imposé. Sur les cinq film présentés, quatre se passaient en pleine campagne et faisaient de celle-ci un cadre inquiétant, espace lié à toutes les perversions possibles. C’était très net dans Pleine campagne de Pierre Mouchet et surtout dans Diversion de Mathieu Mégemont (par ailleurs vainqueur de la compétition et grand prix du court-métrage) où un homme se retrouve pris au piège d’une communauté villageoise dégénérée. Non sans humour, le réalisateur reprend une thématique célèbre du film d’horreur, celle du territoire malsain (on pense à un certain Massacre à la tronçonneuse…), mais la transpose dans la campagne française.

Les longs-métrages hors compétition n’ont pas non plus donné lieu à de grandes révélations, même si Mandy de Panos Cosmatos avec Nicolas Cage (que je n’ai pas pu voir) sortait apparemment du lot. Trois films étaient clairement à classer dans la catégorie « frissons », mais tous trois reprenaient des intrigues, des lieux et des motifs classiques et le faisaient sans grande originalité : Dawn a Dark Hall (Blackwood, le pensionnat) de Rodrigo Cortés d’abord, sur des jeunes filles prises au piège d’une école maléfique (un manoir isolé en plein campagne) dirigée par une sorcière prête à tout (Uma Thurman, qui ne fait pas dans la demi-mesure…) ; Mermaid le lac des âmes perdues, film russe de Svyatoslav Podgayevskiy, qui reprend pour sa part le motif de la sirène et de la femme fatale (eh oui, encore et toujours…) dans un décor de studio (le lac en question) qui renvoie à l’univers du conte noir ; Ghost House de Rich Ragsdale enfin, dont le titre est finalement assez trompeur car l’intrigue se passe en Thaïlande et la maison aux esprits ne renvoie pas à la traditionnelle maison hantée, mais à un site sacré que l’héroïne profane sans le savoir, réveillant ainsi une force surnaturelle maléfique. Mais les références majeures présentes dans ce dernier film, de Ring à L’Exorciste, sont davantage de l’ordre de l’imitation que de l’hommage citationnel.

Reste pour terminer l’un des longs-métrages présentés lors d’une séance culte : La Rose écorchée de Claude Mulot (1970). Ce film français est une rareté et un sommet du kitsch pour nous, spectateurs·rices de 2019. Frédéric, célèbre peintre au succès retentissant et don juan notoire, tombe éperdument amoureux de Anne, qu’il épouse. Mais son ancienne maîtresse, Moira, se venge et pousse Anne dans un bûcher qui la défigure. Réécriture avouée de Les Yeux sans visage de Georges Franju (1960), le film reste très en-dessous de son modèle. D’abord parce qu’il a très mal vieilli et que les rires qu’il a suscités pendant la projection n’étaient pas recherchés ; ensuite parce qu’il accumule les stéréotypes à la fois dans les décors (le château où vivent Anne et Frédéric n’est que ruines à l’extérieur, donnant lieu à des scènes que le roman gothique anglais n’aurait pas renié) et dans les plans (par exemple le souvenir heureux du mélancolique Frédéric qui voit sa femme au temps de sa splendeur courir au ralenti dans un champ en fleurs baigné de soleil). Je vous laisse découvrir les autres savoureuses trouvailles de ce film dont je semble me moquer mais qui était aussi très plaisant, à la fois malgré et en raison de ses hommages prononcés au gothique et au fantastique. Et vous conviendrez pour finir qu’un film avec à la fois Anny Duperey dans le rôle-titre et Elizabeth Teissier dans celui de la maîtresse abandonnée, ce n’est pas tous les jours qu’on en voit…   

Appel à Communication Pif le Chien

Appel à communications

Colloque international – Pif le chien, histoire, politique, esthétique : regards croisés

Université de Bourgogne Amphithéâtre de la MSH de Dijon

8-9 octobre 2019

Le projet PIFERAI (Pif dans tous ses états : recherches, archives, interdisciplinarité) a permis de mener à bien, durant l’automne 2018, la numérisation complète des strips de Pif le chien parus dans L’Humanité de 1948 à 1968. Un premier groupe de chercheur·euse·s, rassemblant des historien·ne·s, des littéraires, des historien·ne·s de l’art, des sociologues, a déjà proposé une approche analytique complète de ce corpus, croisant les interrogations esthétiques, historiques et politiques. Il s’agissait à la fois d’évaluer le langage esthétique spécifique des strips composant les Aventures de Pif le chien (la mécanique du gag, l’usage de la saisonnalité, la technique du dessin, la représentation anthropomorphe des personnages, la conscience réflexive de ces principes esthétiques) et de comprendre les impacts de ce langage sur les enjeux politiques et sociologiques qui se font jour : quel statut de l’enfance dans ce médium destiné à des lecteur·rice·s mineur·e·s ? quelle représentation de la famille nucléaire ? quelle représentation de ses loisirs et de ses pratiques ? quelle présence de l’actualité et de la politique dans un contexte fictif et imaginaire ?

L’ouverture de ces travaux à un groupe plus large de chercheur·euse·s prétend compléter cette première approche, essentiellement interne, du corpus à une approche plus large et plus complète. Un travail d’analyse externe est à mener. On attend notamment des propositions :

  • sur le destin éditorial de Pif le chien. Initialement édités dans L’Humanité, les strips ont en effet été repris sous diverses formes, dans la revue Vaillant, à partir de 1948, revue devenue Vaillant, le journal de Pif, à partir de 1966, puis dans la revue Pif gadget, à partir de 1969 ; parallèlement, les strips ont été repris en volume dans Les Aventures de Pif, ainsi que dans L’Almanach de l’Humanité (ces deux corpus ont en partie été numérisés lors du projet PIFERAI). La place des strips dans ces nouveaux supports médiatiques pourra être interrogée. De même, une approche plus historique de ces éditions – choix économiques, acteurs impliqués, etc. – pourra être proposée. On pourra en particulier étudier, d’un point de vue historique, les interactions entre la rédaction de L’Humanité, celle de Vaillant, et le milieu politique du Parti Communiste Français.
  • sur les modèles esthétiques actualisés par Pif le chien. Les modèles de José Cabrero Arnal ont déjà été évoqués, mais une enquête plus complète est nécessaire : comment le dessinateur et ses successeurs utilisent-ils la tradition américaine du family strip ? quelle connaissance et quel usage ont-ils de la bande dessinée comique animalière américaine et française ? quelle utilisation en particulier est-il fait du modèle disneyen (on a noté en particulier l’utilisation de la structure des Silly Symphonies, avec l’usage des rimes de mirliton, ou l’usage du dessin animalier) ? Quelle importance du milieu de la presse espagnole, dont José Cabrero Arnal est issu ?
  • sur les interactions de Pif avec le milieu de la bande dessinée française et belge dans les années 1950 et 1960 : comment la création bédéique de cette époque s’inspire-t-elle du modèle pifien ? Quel héritage de Pif dans la bande dessinée après 1969 ?
  • sur les transferts et circulations : il s’agirait non seulement de travailler sur les origines de Pif mais aussi sur lesreprises de Pif en URSS ou dans les démocraties populaires.
  • sur le bain culturel dont se nourrit Pif : on a noté les multiples citations de chansons dans les dialogues du strip. Plus largement, on pourra réfléchir à toutes les références culturelles que Pif convoque, aux manipulations qu’il leur impose, à l’usage esthétique par lequel elles les détourne.
  • Sur la diffusion de Pif : diffusion militante et abonnements. Comment le PCF organise-t-il la distribution et la promotion de Pif.
  • sur la réception : Pif a connu un immense succès, non seulement dans le milieu des communistes français, mais de façon plus large dans l’ensemble de la jeunesse des années 1960 puis 1970. Il a en conséquence été l’objet de réécriture, de caricature, de représentations diverses. Leur étude pourra être complétée par une étude des produits dérivés nombreux qu’il a suscités (jouets, jeux, affiches, verres, tasses, etc.) : Pif joue un rôle essentiel dans la culture matérielle des années 1950 et 1960.
  • sur les contenus politiques et historique : on pourra ajouter aux études déjà menées (allusions politiques, vie dans le pavillonnaire petit-bourgeois, jeux et activités enfantines, relations familiales, loisirs et activités sportives) des études portant sur la culture matérielle mise en scène dans les strips (représentation de la nourriture, représentation du travail, formes des pratiques culturelles).

Précision importante : notre travail porte essentiellement sur Pif le chien de 1948 à 1969, donc pas sur Pif gadget. Des interventions proposant des ouvertures ponctuelles pourront être acceptées, mais pas des interventions portant seulement sur l’époque Pif gadget.

Les propositions devront être adressées avant le 15 mai 2019 à :

Henri Garric : henri.garric@u-bourgogne.fr

Jean Vigreux : jean.vigreux@u-bourgogne.fr

Croquer l’actualité – 50 ans de dessins de presse et de BD Reportage

La semaine prochaine, le CentreInterlangue TIL organise à l’Université de Bourgogne , à l’Amphithéâtre de la MSH, un colloque consacré notamment à la BD Reportage. On y entendra plusieurs chercheurs importants dans le domaine de la bande dessinée (Jan Baetens, Pierre Fresnault-Deruelle, Jean-Paul Gabilliet, Laurent Gerbier, Philippe Marion). Henri Garric y interviendra, sur la place des reportages comiques dans La Revue dessinée. Venez nombreux·ses !

Séminaire « Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin » Saison 2 – Journée d’étude « Aragon et la chanson »

C’est dans deux semaines mais l’événement est suffisamment important pour qu’on en fasse la publicité dès maintenant : le 14 février, amphithéâtre de la MSH de Dijon, une belle journée d’étude co-organisée par l’axe LmM du CPTC et par le Centre Interlangues TIL :

Séminaire « Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin » Saison 2 – Séance exceptionnelle Fabcaro. Enregistrement !

Vous avez manqué la séance Fabcaro et vous vous en mordez les doigts !

Eh bien, exceptionnellement, vous avez droit à un rattrapage : l’entretien a été enregistré sur radio campus Dijon. Il s’agit de l’émission du 14/12/2018 à 16 heures. Bonne écoute !


http://radiodijoncampus.com/redactionnelles/les-conferences/

Journée d’études : PIFERAI (Pif, dans tous ses états : recherches, archives, interdisciplinarité)

Journée d’études : PIFERAI (Pif, dans tous ses états : recherches, archives, interdisciplinarité) Vendredi 21 Décembre 2018, 10:00 – 17:00

Pour Noël, l’axe LmM s’associe aux historiens pour une première exploration de l’univers de Pif le Chien. Venez nombreux et nombreuses pour cette dernière journée de l’année !


Organisateurs : Henri Garric (CPTC, uB) et Jean Vigreux (CGC UMR CNRS uB 7366)

Au début de la Guerre froide (en 1948) Jose Cabrero Arnal (qui signe Claude Arnal), républicain espagnol exilé qui revient du camp de concentration de Mathausen (libéré le 5 mai 1945) crée pour l’Humanité un feuilleton dessiné, Pif le Chien. Les pages paraissent aussi bien dansl’Humanité que l’Humanité-Dimanche ; il est aussi publié dans Vaillant. Mais « Pif le chien », est aussi repris par d’autres dessinateurs, selon une logique sérielle commune aux héros de bande dessinée d’après-guerre (Spirou, notamment) : c’est l’esprit d’équipe et la logique éditoriale de Vaillant qui priment.

L’approche pluridisciplinaire se propose d’analyser le corpus numérisé des strips de Pif le chien aussi bien dans sa dimension formelle (construction des planches, articulation textes/images) que thématique. Il s’agira de voir comment une bande dessinée héritée de la bande dessinée familiale des années 1920-1930 (en France et aux Etats-Unis : family strip) articule l’adresse à un public enfantin (caractérisée par l’usage du dessin anthropomorphique et la logique du gag) à la volonté d’éducation populaire et politique. Au sein des thèmes on retiendra la culture de Guerre froide, mais aussi des sujets graves (manque de nourriture, logement, problèmes des classes et des disparitions des richesses, sans oublier les loisirs de masse comme le Tour de France, etc.). Le projet articule ainsi une réflexion esthétique et sociale sur la place des arts mineurs dans la culture contemporaine avec une approche de sociologie historique et politique.


Programme :10 h 00 – Accueil : Henri Garric et Jean Vigreux

Henri Garric :
Usages du gag dans « Pif le chien »
Emmanuelle Rougé :
La relation enfant-animal dans « Pif le chien »
Vincent Chambarlhac :
Pif peintre : quelle peinture à l’heure où New-York vole l’idée d’art moderne ?
Bertrand Tillier :
Pif, chien anthropomorpheTable-ronde : « Pif le chien » et le strip comique dans la France d’après-guerre

13 h 30 :Jean Vigreux :
Un peu de politique dans « Pif le chien » ?

Jessica Kohn :
Le pavillon de Pif : la mise en scène du confort des Trente Glorieuses

Sébastien Laffage-Cosnier, Lucas Profillet, Christian Vivier :
« Pif le chien » sportif : un reflet des représentations des activités corporelles des Trente Glorieuses ? Étude exploratoire

Irène Leroy-Ladurie :
Pif, de père en fils : l’intimité d’un chien
Table-ronde : Société et politique dans « Pif le chien »

Entrée libre, gratuite, sans inscription,
dans la limite des places disponibles

Séminaire « Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin » Saison 2 – Séance exceptionnelle Fabcaro.

Jeudi 13 décembre, le séminaire culturaliste propose une séance exceptionnelle. Dans le cadre d’une réflexion sur les rapports entre bande dessinée et chanson, nous recevrons en effet le dessinateur Fabcaro, auteur d’albums qui ont connu un vif succès ces dernières années : Zaï zaï zaï (6 pieds sous terre éditions, 2016), Moins qu’hier (plus que demain) (Glénat, 2018).

La présentation sera effectuée par Irène Leroy-Ladurie (Université de Bourgogne) et Henri Garric (Université de Bourgogne). Elle aura lieu exceptionnellement à 17 heures, dans l’amphithéâtre du site Chabot-Charny de l’Université de Bourgogne (36, rue Chabot-Charny). https://www.google.com/maps/place/Universit%C3%A9+de+Bourgogne/@47.319333,5.0409677,17z/data=!4m5!3m4!1s0x0:0x8191314dee33703f!8m2!3d47.3190277!4d5.0431671

Nous vous attendons très nombreux et nombreuses pour cet événément exceptionnel !

Les chercheurs de LmM parlent du geste à Angoulême

Demain matin, Irène Leroy-Ladurie et Henri Garric participent au colloque “Gestes et bande dessinée” qui se tient à l’auditorium du Musée de la bande dessinée. D’un côté, apprentissage du geste chez Bastien Vivès, de l’autre, doigts d’honneur et rire.

http://www.citebd.org/IMG/pdf/programme_rencontres_de_la_bd_2018_-_web-2.pdf

Venez nombreux et nombreuses !

Séminaire « Chanson populaire : pop et folk songs, tubes et zinzin » Saison 2 – Deuxième séance

Bonjour à toutes et à tous,

La semaine prochaine aura lieu la deuxième séance de l’année de notre séminaire culturaliste. Nous y entendrons :

Pascal Vacher (Université de Bourgogne) : “L’usage de la chanson et la tentation de la comédie musicale chez Jean-Luc Godard”.

et Nathalie Mauffrey (Université de Bourgogne) : “la chanson dans l’oeuvre d’Agnès Varda : évocations d’une vocation”.

La séance aura lieu jeudi 22 novembre à 14 heures à l’amphi de la MSH.

Venez nombreux et nombreuses !

Séance de séminaire du 25/10/2018 : Gabriel Tremblay-Gaudette et Françoise Salvan-Renucci

Gabriel Tremblay-Gaudette : “Parler vrai pour les vraies têtes” (Real Talk for the True Heads) : identités linguistiques et culturelles dans le Hip-Hop québécois

Gabriel Tremblay-Gaudette (Université Paris 8, Labex ARTS-H2H) dresse un panorama du rap québécois grâce à des analyses de paroles et de clips, en montrant comment la question de l’authenticité est au cœur de la performativité dans le rap et le hip-hop. Il commence par souligner qu’à l’origine, les termes de « rap » et de « hip hop » ne désignent pas tout à fait la même chose. Mouvement culturel du début des années soixante-dix, le hip hop réunit quatre éléments : le rap, le graffiti (street art), la danse, la musique. Après avoir livré une brève histoire du Québec et de ses mouvements indépendantistes, Gabriel Tremblay-Gaudette nous (re)plonge dans les débuts du hip hop dans le Bronx des années soixante-dix, pour rappeler que le mouvement a d’abord consisté en des party blocs, des célébrations joyeuses où la danse et la musique étaient au centre et où le rap n’occupait pas encore le devant de la scène. Les DJ, inspirés par le dancehall jamaïcain, enchaînaient les pièces musicales de funk et de soul, tandis que les animateurs – les « MC » – assuraient l’ambiance durant les pauses entre chaque DJ. En 1979, le premier enregistrement commercial d’un morceau de hip hop, “Rapper’s Delight” du groupe états-unien The Sugarhill Gang, rencontre un grand succès et contribue à populariser le genre musical. C’est aussi le début des clips.

À la suite de ce hip hop dansant et festif, que l’on peut interpréter comme une manière de fuir la dure réalité du ghetto, naissent le rap conscient, qui consiste à raconter et dénoncer cette réalité (notamment avec le groupe Grandmaster Flash and the Furious Five), puis le gangsta rap à partir de 1988, avec des artistes qui se revendiquent criminels. La fin des années quatre-vingt-dix voit le début du bling rap, dans lequel les artistes se vantent de leur succès et de leur argent. Ce type de rap commercial, qui exalte un mode de vie basé sur le luxe et la « frime », entre en tension avec le reste du mouvement hip hop, bien qu’il soit moins prégnant au Québec où le marché est beaucoup plus petit qu’aux États-Unis. Il est à noter que les influences françaises comme MC Solaar et IAM font l’effet d’une véritable révélation au Québec, montrant qu’il est possible de faire du rap de qualité en français.

La valeur cardinale du hip hop est l’authenticité : bien qu’un rappeur soit plus crédible s’il est issu du ghetto, s’il est racisé, s’il prend de la drogue, est impliqué dans des bagarres, apparaît comme violent et se conduit comme un mâle alpha hétérosexuel, l’important est avant tout l’adéquation entre le personnage que le rappeur se construit et sa réalité biographique.

Quelques chansons jalonnent les débuts du rap québecois, après une première phase au cours de laquelle le rap n’est pas pris au sérieux au Québec ou seulement sur le mode parodique. « MRF est arrivé », du groupe Mouvement Rap Francophone, est la première chanson de rap québecois. La fleur de lys, symbole national, apparaît dans le clip, transformée en coup de poing. Les termes en anglais de la chanson concernent essentiellement le vocabulaire en lien avec la pratique du hip hop. Les rimes sont très faibles et la prosodie bancale. Les paroles sont très circonstanciées, faisant surtout référence à la culture populaire québécoise, ce qui explique également que la chanson ait mal vieilli. Elle s’inscrit dans le party style. Le clip montre des gens qui dansent, la figure du DJ est centrale. Il porte un couvre-chef de raton-laveur, stéréotype du québécois, et s’entoure de danseurs noirs, peut-être pour légitimer sa place dans le hip hop. Ce morceau n’a eu qu’une petite diffusion.

En 1996, le groupe KC LMOP commet la (très mauvaise) chanson « Ta Yeul », qui connaît un énorme succès, aussi éphémère que surprenant. Elle s’inscrit dans le gangsta rap, mais sage et réformé. Le clip témoigne d’un mélange des influences : on y voit une casquette au logo des Yankees de New York et un maillot de l’équipe de Montréal. La séquence parlée (le skit) montre qu’ils connaissent les codes du hip hop, avec des efforts prosodiques (flow) plus soutenus malgré des paroles accablantes. Le discours porte essentiellement sur les minorités, et sur l’aspiration à une vie tranquille dans une banlieue huppée calme et familiale.

Dans la deuxième moitié des années quatre-vingt-dix, quelques groupes percent, mais se caractérisent par un manque d’authenticité, notamment à cause de leur accent français, qui va parfois jusqu’à l’imitation d’un faux accent français. Les choses changent véritablement avec l’arrivée du « vrai » rap québecois, avec les groupes Muzion dans le genre du rap conscient et Sans Pression, groupe à cheval entre les trois genres. À mi-chemin entre les tendances du gangsta rap et du rap conscient, « L’étage souterrain » de Sans Pression (2000) présente un rap sans accent français, des paroles pas « polies », un clip plus ambitieux, mais amateur sur le plan visuel. L’attitude et la gestuelle des rappeurs y sont plus querelleuses, hostiles. Les paroles mêlent le joual et le franglais. Le joual (« cheval »), sociolecte du français québécois issu de la culture populaire urbaine, désigne l’évolution de la langue québecoise sous l’influence de l’anglais, avec de nombreux termes amalgamés. Il s’agit d’une forme de créolisation lexicale et phonétique entre le français et l’anglais. Le dramaturge Michel Tremblay a commencé à utiliser le joual dans ses pièces, ainsi que de plus en plus d’auteurs dans les années soixante et soixante-dix, ce qui a contribué à le codifier à l’écrit et à ne plus considérer le joual comme une déformation bâtarde du français. Avec « L’étage souterrain », Sans Pression prend le parti d’assumer les réalités linguistiques du Québec, grâce au joual mais aussi grâce à la présence de Ti-Kid, un membre Haïtien qui rappe en créole. Plus tard, on note une évolution dans le style de Sans Pression, qui délaisse le côté guerrier et gangsta pour endosser un rôle de révélateur et d’éducateur en abordant les problèmes sociaux, non seulement ceux du ghetto, mais aussi ceux qui concernent la société dans son ensemble, comme par exemple les violences conjugales, y compris dans le milieu bourgeois.

En parallèle, le groupe Loco Locass affiche un discours très politisé et indépendantiste, qui revendique l’identité québecoise. Ils partent cependant avec un désavantage dans la mesure où le groupe, constitué de rappeurs blancs perçus comme bourgeois, n’est pas associé à l’idée d’authenticité. Leur diction et à leur prosodie très correctes, leur performance assez épurée ne correspondent pas à ce qui est en vogue à ce moment-là. Ils sont rejetés par le mouvement hip hop, qui vit mal leur grand succès et les prix musicaux remportés dans leur catégorie.

Un autre groupe émerge, Manu Militari, avec « L’empreinte » (2006). La langue est plus travaillée. L’identité québécoise est assumée. Le clip s’incarne et s’inscrit dans un espace. Filant la métaphore du graffiti, les paroles parlent d’une jeunesse mal comprise et qui veut s’exprimer et exprimer sa culture, mais qui n’a pas de place pour le faire. Le discours est militant, voire militaire, avec l’image d’une armée de plus en plus importante qui va taguer les murs dans les rues la nuit. Sans appartenir tout à fait au genre du gangsta rap, la chanson s’inscrit dans le mouvement hip hop.

En 2008, le groupe Radio Radio se distingue avec son accent acadien de Nouvelle-Écosse, son esprit loufoque et décalé et ses sonorités électro peu usitées à cette époque dans le hip hop. Le clip de la chanson « Cliché hot » est tourné dans un petit restaurant en totale opposition avec les ambiances « bling bling » ou les scènes de rue des clips de rap habituels. Gabriel Tremblay-Gaudette explique les inimitiés, les polémiques et les altercations qui ont éclaté entre Radio Radio et Manu Militari, notamment à l’occasion de la remise du Félix du meilleur album hip hop en 2010.

En 2010 également, la chanson « Saint-Eustache » du groupe Koriass situe son décor dans une petite banlieue de Montréal de la classe moyenne populaire, surtout connue pour son marché aux puces. Koriass assume cette localisation et affirme que le hip hop peut y exister. Il se définit par la négative en énumérant tout ce qu’il n’est pas. Il assume son incapacité à se présenter comme un rappeur « bling bling ». Il se décrit plutôt comme un « party rappeur », qui répand la joie dans le marché aux puces. Il a réinventé ses identités multiples au fil des albums.

Gabriel Tremblay-Gaudette clôt son intervention avec deux groupes actuels. Loud Lary Ajust s’exprime dans une forme de franglais qui n’est pas le joual mais qui consiste à passer du français à l’anglais très vite, un mot, une phrase après l’autre. Loud a une carrière solo en France. Enfin, le groupe Alaclair Ensemble propose un rap très actuel, dont le style a beaucoup évolué en fonction des tendances. Fait intéressant, ils publient sur leur site les paroles de leurs chansons avec le pourcentage de mots en français et en anglais, comme s’il leur tenait à cœur de montrer qu’ils font bien du rap francophone, même si ce n’est pas évident à l’oreille. Leur clip évoque un imaginaire visuel très québécois, dans la neige et le froid. Ils pratiquent une forme de bilinguisme : en effet, la chanson est sous-titrée pour le public français comme pour montrer qu’ils sont tout à fait capables de traduire leurs paroles et donc de rapper en français. L’évolution du style de groupes comme Koriass ou Alaclair Ensemble prouve que la notion d’authenticité peut prendre beaucoup plus de formes que dans le passé.

Durant la discussion avec le public, la réflexion s’oriente vers la rareté des femmes rappeuses dans le hop hop, un milieu et une culture qui tolèrent encore en grande partie, voire revendiquent, l’homophobie et la misogynie. Les stratégies des femmes rappeuses sont différentes. Certaines choisissent de parler des mêmes sujets que leurs collègues masculins, en quelque sorte pour montrer qu’elles sont tout autant capables de faire du hip hop. D’autres traitent des problèmes spécifiques au fait d’être une femme dans le ghetto.

Sur le hip hop, voir : Forman Murray, Neal Mark Anthony, That’s the joint! : the hip-hop studies reader, New York, Routledge, 2004.

Françoise Salvan-Renucci (Université de Nice) : « chanteur de rock » et « poète illusoire »: le projet artistique de H.F. Thiéfaine et sa traduction dans le discours poétique et musical de ses chansons

Membre du CTEL, Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des Arts Vivants à l’Université Côte d’Azur (Université Nice Sophia Antipolis), Françoise Salvan-Renucci consacre depuis 2012 sa carrière au projet intitulé « “inventaires dans [un] pandémonium” et “labyrinthe aux couleurs d’arc-en-ciel”: essai d’analyse du discours poétique et musical des chansons de H.F. Thiéfaine ». Sur le site internet du projet, elle décrit ainsi sa démarche :

« La démarche herméneutique vise à présenter une lecture « intégrale » du corpus des chansons ainsi qu’à faire ressortir l’authenticité, la densité et la richesse du discours poétique de l’auteur à travers l’analyse de son fonctionnement et notamment du caractère totalement organisé de l’écriture thiéfainienne, tel qu’il se révèle lors de la description phénoménologique précise de ses modalités d’agencement. » https://www.fsalvanrenucci-projet-thiefaine.com/projet-et-travaux

Françoise Salvan-Renucci nous a proposé une plongée érudite et foisonnante dans les références démultipliées et la « fulguration énigmatique » de l’écriture de Thiéfaine, une écriture qui chérit le nonsense, les farces, le jeu avec les différentes langues modernes et antiques, et une intertextualité vertigineuse. Sa conférence est disponible en intégralité sur sa chaîne Youtube :

Hubert-Félix Thiéfaine se produira au Zénith de Dijon le 10 novembre 2018.