Archives pour la catégorie 3. Etudes culturelles

Les Confitures : un film des étudiants sur la transmission culturelle

Les étudiant.e.s de la licence Lettres ont conçu un beau film qui parle du destin de la culture dans un monde du prêt à consommer. Tout à fait dans les thématiques de « Littérature, arts mineurs, arts Majeurs ». A consommer et diffuser sans modération :

 

Séminaire 2017-2018

L’été approche, mais l’année prochaine se prépare déjà pour l’axe LmM. Nous parlerons chanson ! Les séances ne sont pas encore prévues, mais vous pouvez déjà noter les dates (23 novembre, 21 décembre, 25 janvier, 15 février, 22 mars, 26 avril) ! Au plaisir de vous retrouver en novembre.

 

Chanson populaire, pop et folk songs, tubes et zinzins : La chanson entre arts mineurs et arts Majeurs.

L’attribution du prix Nobel de Littérature à Bob Dylan en octobre 2016 a soulevé une suite de débats, les uns dénonçant la dévalorisation de la littérature impliquée par l’ouverture du canon à un auteur de folk songs, les autres acclamant la modernité des jurés qui reconnaissaient enfin à sa juste valeur, littéraire, le génie de Dylan parolier.

Ces débats seront l’occasion pour l’axe LmM d’appliquer son interrogation générale sur les rapports de domination à l’intérieur du champ artistique, sur les échanges entre les différents arts au sein de ce champ et sur la dimension esthétique qu’on peut trouver dans les objets mineurs ou Majeurs, à un art particulier. Quelle que soit la qualification qu’on lui donne (populaire, pop, folk), la chanson, par sa situation intermédiaire entre l’écriture et la musique, par sa place fluctuante entre littérature savante, littérature de masse, littérature populaire, voire article de journal ou tract politique, se trouve au centre de nos interrogations. Répondant à la question que pose le débat « Bob Dylan », nous nous interrogerons sur le statut de la chanson dans le champ artistique : peut-on considérer, suivant une généalogie qui va de Shakespeare, Ronsard, Hugo, jusqu’à Brassens et donc Dylan, que la chanson est une forme de la littérature ? Doit-on considérer que l’association des paroles et de la musique lui conserve un statut mixte particulier qui la distingue ? Plus encore, nous nous interrogerons sur la place de la chanson dans le champ culturel et sur sa faculté de reconfigurer les hiérarchies et places respective entre les arts.

Cependant, suivant notre interrogation esthétique du champ artistique, nous réfléchirons aussi aux échanges qui s’effectuent autour du champ de la chanson : de quelle façon la chanson s’empare-t-elle des autres arts, aussi bien dans le champ populaire que dans le champ savant ? On pourra s’interroger aussi bien sur l’utilisation d’une intertextualité littéraire dans les paroles de la chanson (voir sur ce point, par exemple, le travail de Françoise Salvan-Renucci sur les chansons d’Hubert-Félix Tiéphaine) que sur les citations musicales, venues de la musique savante comme de la musique populaire. Mais on pourra aussi s’interroger sur d’autres emprunts, au théâtre, à la peinture, à la bande dessinée (pensons à Comic strip de Gainsbourg). Inversement, on pourra réfléchir à la façon dont d’autres arts articulent l’apport de la chanson. L’utilisation de chansons populaires dans les pièces de Shakespeare est depuis longtemps documentée ; de même, on connaît l’importance des chansons dans l’Opéra des XVIIe et XVIIIe siècle, ou dans la musique du XVIIIe siècle (voir les variations sur des mélodies populaires chez Mozart, Beethoven). De même, théâtre du XIXe siècle, valorisation de la chanson. Au XXe siècle, les chansons populaires, les standards de jazz, les pop songs vont constituer les bandes-son non seulement de films, mais de romans (la citation est de ce point de vue un procédé courant aussi bien dans les livres de James Baldwin, Harlem Quartet que de Jean Echenoz). L’opéra lui-même, parangon de la haute culture, expérimente des formes rock ou punk (Franck Zappa, The Who), sans parler de l’opéra pour enfants, qui emprunte naturellement à la forme de la chanson (Isabelle Aboulker). Et on peut ajouter, au cinéma, le genre de la comédie musicale, où la chanson devient le véritable fil narratif et fait partie intégrante du scénario. On pourra à la fois s’interroger sur ces réutilisations, sur les citations en forme d’hommage ou de parodie.

Enfin, on pourra s’interroger sur le destin de chansons qui jouent un rôle particulièrement important dans le champ culturel et artistique (voir Douglas Coupland, le romancier de la « génération x » dont plusieurs titres – Eleanor Rigby, Girlfriend in a coma – s’inspirent de hits). Il s’agira non seulement de réfléchir à ce qui fait un « tube », depuis Il pleut Bergère jusqu’à Let It be, mais aussi à la façon dont le champ artistique et culturel s’empare de certains tubes, pour les répéter jusqu’à la nausée, mais aussi pour les réécrire, les modifier, parfois les magnifier.

Séminaire Culturaliste. Dominations. Sixième séance

Jeudi 3 novembre de 14 h à 17 h aura lieu la deuxième séance de l’année du séminaire « Dominations ». Elle aura lieu dans la salle des Séminaires de la MSH de l’université de Bourgogne.

 

Nous entendrons Virginie Brinker (Université de Bourgogne) et Dalila Habidi (Université de Bourgogne) dans une double séance à propos du livre de Kamel Daoud, Mersault, contre-enquête.

 

Venez nombreux-ses !

Avant de commencer la saison deux, un petit résumé.

Pour patienter d’ici jeudi, un bilan de la première année « Dominations », réalisé par une de nos étudiantes. Cela permettra à celles et ceux qui nous ont suivi l’an dernier de se rafraîchir la mémoire et à celles et ceux qui nous découvrent… de nous découvrir…

 

Bonne lecture !

 

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Compte-rendu du séminaire “Dominations” du 25 novembre 2015- Rap et littérature

-Virginie Brinker, Université de Bourgogne : « Ma bouche sera la bouche des malheurs qui n’ont pas de bouche, Frantz Fanon et Aimé Césaire, icônes du rap français ? »

L’intervention de Virginie Brinker porte sur la façon dont le rap français (entendu comme le rap écrit en français et produit en France) utilise la culture littéraire à travers les références à Frantz Fanon et à Aimé Césaire.

La réflexion s’articule autour de trois axes.

Dans un premier temps, V. Brinker analyse la portée de l’acte de référence entre subversion et reconnaissance implicite du canon. Le rap est un mouvement qui se considère en marge et faire référence à Fanon c’est s’inscrire dans une pensée radicale. Il y aurait une violence commune entre les textes de Fanon et ceux des rappeurs, même si Alice Cherki invite à reconsidérer cette idée en affirmant que c’est surtout Sartre qui a radicalisé la pensée de Fanon en justifiant la violence que ce dernier ne faisait qu’analyser. La référence à Césaire se situe dans la même lignée. En effet ce dernier a fait l’objet d’un débat lorsque ses textes ont été proposés au programme du Bac L en 1994 car certains députés étaient choqués que l’on puisse proposer au Bac un auteur qui compare nazisme et colonialisme. Ce dernier point montre aussi que les textes de rap sont sous-tendus par une pensée politique, ce que vient confirmer l’expression du groupe La Rumeur : « rap de fils d’immigrés». V. Brinker conclut ce premier point en affirmant que rivaliser avec le canon en se référant à des œuvres censées le subvertir, c’est le reconnaître malgré tout. Elle explique d’autre part que s’inscrire dans cet héritage de Fanon et de Césaire serait aussi un acte de légitimation littéraire.

La deuxième question abordée est celle de la référence comme matrice de production d’une pensée contemporaine politique et sociale. Fanon et Césaire ne sont pas seulement des hommes de lettres : Fanon est un intellectuel qui a révolutionné les thèses en psychiatrie et Césaire est un militant anticolonialiste. La Rumeur et Casey sont eux-mêmes issus d’anciennes colonies française et le « rap de fils d’immigrés » va reprendre la lutte contre les dominations postcoloniales avec, au cœur de leur texte, la question de la « négritude ». Pour Fanon, le colonialisme crée une aliénation, l’incapacité de se penser autrement que comme autre. L’expression qu’il utilise dans Peau noire, masques blancs, « moi homme de couleur », est l’affirmation d’une prise de conscience de la façon dont on le perçoit. Cette notion est reprise dans les textes de rap. Cependant, il y a une critique de la négritude chez Fanon qui déplore le fait qu’elle devienne une nouvelle essentialisation alors qu’elle n’est qu’un stade dialectique qui doit permettre de s’affranchir de cette aliénation. V. Brinker montre qu’il y a par exemple chez Youssoupha, dans  Rendons à Césaire, une tension permanente et non résolue entre perception communautaire et perception non-excluante.

Virginie Brinker aborde dans un dernier temps la question stylistique : elle démontre qu’il y a bien, dans l’écriture de ces textes, un héritage palpable de Fanon et Césaire. Elle rapproche par exemple la théâtralité du texte de Casey, qui a recours à l’adresse directe, de celle de Césaire et montre que la picturalité du texte Nature morte de la Rumeur (« pour que chaque plaie s’ouvre et vienne tâcher leur ciel ») est proche de la conception de l’image que l’on trouve chez Fanon.

 

-Cyril Vettorato, ENS de Lyon : « Que fait le rap à la langue littéraire ? Pistes de réflexions et exemples (Brésil, Caraïbes, Etats-Unis). »

Dans son intervention, Cyril Vettorato s’est interrogé sur la façon dont certains auteurs s’inspirent du rap et ce que cela apporte à leur travail. Il s’appuie sur un corpus de huit textes poétiques contemporains parus entre 1990 et 2000 d’auteurs considérés comme véritablement littéraires, reconnus par la critique et le milieu universitaire. Il a choisi des textes qui font explicitement référence au rap pour éviter toute interprétation subjective.

Il ne s’agira pas, à travers cette intervention, de chercher à définir une littérature hip hop ni de savoir si le rap est une littérature. L’objectif sera de questionner l’interférence du premier dans le second et d’observer ce que le rap fait à la langue littéraire. C. Vettorato explique que l’efficacité esthétique des jeux poétiques reposant sur l’intégration du rap dans les textes poétiques littéraires repose sur des attentes spécifiques chez les lecteurs de ce qui n’est pas la langue littéraire. Il s’interroge donc sur les enjeux de la présence de la langue du rap en tant que langue perçue comme « autre » dans la culture littéraire.

Le rap est un réservoir de formes et de valeurs associées à ce genre musical. Il y a l’idée d’une transgression dans le rap, le recours à des termes argotiques et des formes d’interpellation : Ernest Pépin va parler des ghettos urbains, de la pauvreté et de la banlieue en se revendiquant du rap.

Cyril Vettorato souligne également l’aspect percussif du langage dans le rap. Certains auteurs recherchent des effets analogues avec la récurrence de vers très brefs, de la paronomase, la virtuosité du langage. Certains écrivains s’emparent donc du rap pour voir ses potentialités créatives.

L’étiquette « rap » sert à mettre en tension la littérature et son autre et à contester certains aspects de l’histoire littéraire. C’est ce que fait Cairo, poète Cubain, en mêlant dans ses textes, où il parle de l’actualité et du néo-colonialisme, le rap à un canon littéraire national, les « décimas ».

Le rap peut donc être mis au service d’un discours politique, il peut être aussi porté comme un masque pour être subverti (chez Paul Beatty et Douglas Kearney par exemple), il peut également être employé pour sa valeur poétique.

Cyril Vettorato conclut sur l’idée que ces textes hybrides ne rejettent pas le canon littéraire mais affirment la nécessité d’un canon élargi.

Séminaire culturaliste: Compte rendu de la séance d’introduction « Dominations » (3 novembre 2015)

Autour de deux interventions, l’axe LmM a proposé le mardi 3 novembre 2015 une introduction théorique et thématique au concept de la domination au travers des études culturelles et de la sociologie.

Ainsi, Henri Garric passe au crible, pour l’analyser, la typologie weberienne de la domination. Tripartite et découlant de la typologie de la légitimité politique, la domination weberienne est bureaucratique, patrimoniale ou charismatique.

La domination bureaucratique repose sur l’organisation rationnelle des règles qui régissent un groupe ou une société. Dans les représentations, elle prend la forme du sérieux comme les ordres du chef de bureau que refuse avec un systématisme qui confine à l’absurde le personnage de Bartleby dans Bartleby, le scribe de Melville. Ce système de domination trouve sa légitimité dans l’obéissance.

La domination charismatique repose sur la figure du héros, irrationnelle, émotionnelle et instable, elle fonde l’Etat mais ne peut le faire subsister. Siegfried dans le cycle des Nibelungen de Fritz Lang incarne cette violence fondatrice qui se résout par la mort du héros.

La domination patrimoniale repose sur la notion d’héritage biologique ou spirituel : la légitimité politique passe par une filiation qui fait glisser le pouvoir d’une personnalité vers une autre. La trilogie des premiers épisodes de la saga Star Wars repose sur la reconnaissance ou non de l’autorité patrimoniale. Palpatine fait accéder comme son héritier spirituel – dans son projet de faire du jeune padawan un seigneur Sith, comme lui –  Anakin au conseil des Jedi, contre les règles internes de cette organisation.

Outre le fait que Max Weber évacue du schéma de la domination politique la figure féminine, le problème que pose cette typologie touche à la « volonté affirmée » qui fait de la domination dans la sociologie de Weber, une sorte de contrat, une  « configuration d’intérêts » qui, dans l’Allemagne de ce début de 20ème siècle, fait l’économie de la domination par le capital. Il n’y a de domination qu’intentionnelle pour Max Weber. Ce que contredira par la suite la sociologie bourdieusienne qui analyse la domination comme inhérente à des structures sociales, notamment à travers le concept de « domination symbolique ».

Vanessa Besand propose une relecture de l’histoire des études culturelles autour plusieurs faits marquants : d’une part une histoire internationale dans laquelle la France fait figure de résistante, et d’autre part la profonde redéfinition de la notion de culture passant au filtre d’un élargissement et d’un éclatement.

On peut dater l’apparition du terme cultural studies autour d’un centre de recherche de Birmingham dans les années 60 (Centre for Contemporary Cultural Studies) qui visait à décloisonner le regard universitaire par l’étude d’objets culturels considérés comme subalternes. Les Etats Unis prennent le relais dans les années 80. La France, avec l’Allemagne, semble hermétique, malgré le fait qu’un groupe d’intellectuels français, de ceux qu’on appellera par la suite la « French Theory » (Deleuze et Guattari, Michel Foucault, etc.), ait considérablement nourri ces recherches autour de grands colloques internationaux comme le colloque Semiotext en 1973 à Columbia.

Ces axes de recherche questionnant toutes formes de dominations – de genre, de race ou de classe – interrogent également la place des arts dans le champ dominant. Redéfinissant profondément la notion de culture, comme sujet d’étude, en l’élargissant à la culture « pop’ » et en faisant la promotion d’une circulation des savoirs au-delà des cloisonnements disciplinaires, le critique se propose de « trouver dans la culture populaire une expression authentique de valeur[1] » (Jonathan Culler, page 244). S’intéressant au corpus écrit notamment, les études culturelles reposent sur ce « glissement fondateur qui mobilise vers la culture profane les outils théoriques issus des études littéraires » (Armand Mattelart et Erik Neveu, page 40). Il peut s’agir, par exemple, des outils développés par Roland Barthes avec la sémiologie. Le décloisonnement disciplinaire passe par des interrogations en miroir de domaines de la pensée : le critique cherche une correspondance féconde entre les arts et les changements sociaux.

Ouvertement pluridisciplinaires, souterrainement « contre-disciplinaires », les études culturelles se construisent en marge des contenus dominants ou dominateurs. La culture précédemment liée à la construction d’une nation migre vers des cultures de groupe (de genre, social, ethnique), proposant des discours critiques contre les instances perçues comme dominantes par le passé comme le montre, par exemple, la critique du mâle blanc occidental et hétérosexuel.

Se voulant performatrices, les cultural studies, cherchent-elles à recréer des équilibres ou renverser les logiques ? Etablir la valeur esthétique d’objets littéraires considérés comme subalternes, par la recherche et l’analyse de la littérarité, par exemple, passe par un questionnement sur les modalités d’affirmation de ces nouvelles approches. Il ne s’agit pas de remplacer une lecture dominante par une autre mais de tenter de conserver cette approche critique et analytique envers tous les objets d’étude.

Bibliographie :

Jonathan Culler, The literary in Theory, California, Stanford University Press, coll. « Cultural Memory in the Present », 2007.

Armand Mattelart et Erik Neveu, Introduction aux Cultural Studies, Paris, La Découverte, 2003.

Max Weber, La domination, éditions La Découverte, traduction Isabelle Kalinowski, 2014.

[1] Ma traduction, je souligne.

Séminaire culturaliste : Dominations. Deuxième séance

Mardi 8 décembre aura lieu la deuxième séance du séminaire « Dominations », à l’amphithéâtre de la MSH à l’Université de Bourgogne.

Anne Debrosse (université Paris IV) : 2500 ans dans la vie d’un groupe de femmes.

Sylvie Laigneau-Fontaine (Université de Bourgogne) : « De la domination de la femme à la domination de l’élégie  : une révolution élégiaque ? »

Venez nombreux !

Séminaire culturaliste : Dominations. Séance d’introduction

seminaire domination 1er semestre

Mardi 3 novembre de 11 heures à 13 heures aura lieu, amphi PEG, à l’Université de Bourgogne, la séance d’introduction du séminaire culturaliste consacré pour l’année 2015-2016 à la notion de « Domination ». Cette séance sera animée collectivement par Vanessa Besand, Henri Garric et Marion Lafouge.

Entrée libre et gratuite. Venez nombreux-ses !

L’auto-illustration en Europe Centrale

Vendredi 19 décembre j’ai participé à la soutenance de la thèse d’Hélène Martinelli (en compagnie de Fridrun Rinner et Xavier Galmiche, les directeurs de thèse, de Carole Ksiazenicer-Matheron, Denis Mellier et Alexis Nuselovici), Pratique, imaginaire et poétique de l’auto-illustration en Europe Centrale (1909-1939) : Alfred Kubin, Josef Vachal et Bruno Schulz. Je ne pourrai pas rendre compte sur un court billet de l’intérêt exceptionnel de ce travail. Pour toutes les personnes qui s’intéressent aux rapports entre la littérature et les arts, pour celles qui souhaitent faire évoluer le champ des études culturelles, il s’agit d’un apport majeur, un modèle auquel il faudra se référer dans les années à venir et dont on espère qu’il sera publié très rapidement. La thèse expose la pratique de trois artistes-écrivains originaires d’Autriche, de Tchéquie et de Pologne (Galicie) qui ont en commun d’avoir produit (en plus ou moins grand nombre) des livres qu’ils ont eux-mêmes illustrés, si bien qu’on peut difficilement dire s’ils sont écrivains ou dessinateurs, si leurs images illustrent leurs textes ou si leurs textes illustrent leurs images.

De ce corpus passionnant, la thèse d’Hélène Martinelli donne une description extrêmement minutieuse et érudite, appuyée non seulement sur une connaissance impressionnante de la littérature d’Europe Centrale mais sur une connaissance pratique très poussée des différentes techniques de gravure employées par les artistes en question. Elle en fait ressortir l’imaginaire commun, lié aussi bien au fantasme du livre-total qu’à la séduction des brochures de pacotille. C’est sans doute pour nous le premier intérêt de ce travail : il montre de façon très convaincante comment des ouvrages qui mènent à bout le modèle du livre d’art de la fin du XIXe siècle, sous des formes parfois extrêmes et fanatiques (Josef Vachal, en particulier, produit des livres tirés à une dizaine d’exemplaires, dont il contrôle toutes les phases d’édition, de l’invention de ses propres caractères à la sculpture de la reliure) peuvent en même temps imiter les publications de « pacotille », propagande populaire de religion ou de superstition,. Il y a là un choc entre deux modèles culturels, high and low, qui bouleverse les hiérarchies et surtout donne une force critique à ces ouvrages marginaux. Hélène Martinelli lie très habilement ces décentrements culturels à la situation géographique marginale de l’Europe Centrale, qui a su créer, au sein de ses littératures mineures, des points de fuite où se font et se défont les certitudes des « grandes littératures ». À partir de là, elle peut donc affronter ce qui est le cœur de sa thèse et qui en fait toute la nouveauté : la définition d’une pratique exceptionnelle, « l’auto-illustration ». Cette définition donne lieu à des pages d’une grande densité théorique, notamment appuyées sur la notion derridienne de différance et sur les écrits de Foucault consacrés au texte et à l’image. Ces pages font le point sur tous les travaux récents qui tentent de cerner l’originalité esthétique de l’illustration ; surtout, elles montrent comment cette pratique suppose un échange constant de l’image au texte, sans jamais donner priorité à l’un sur l’autre. Là encore, la richesse de cette thèse ne se prête pas à un résumé hâtif. On notera simplement que l’image implique bien souvent des inflexions esthétiques du texte (métaphores des insectes comme grouillements de caractères d’imprimerie, jeux de lumière entre demi-teinte du crayon et contrastes de l’encre), que l’image se pose en commentaire ironique et dégradé du texte, mais que le texte en retour peut devenir une glose infinie du texte. L’auto-illustration devient ainsi un lieu original, toujours en décalage, d’affirmation d’une posture d’auteur complexe où autobiographies et autoportraits se mêlent et se contestent, sans jamais aboutir à une « fiction d’auteur » stable.

Un tel travail intéresse au plus haut point les inflexions nouvelles de l’axe « LmM » et j’espère que nous aurons l’occasion d’accueillir son auteure dans nos activités à venir.